Giuseppe Capogrossi, Leben, Werk und Stil des Zeichenkünstlers

Giuseppe Capogrossi (Rom, 1900 - 1972) war ein Maler, der die italienische Kunstkultur nach dem Zweiten Weltkrieg geprägt hat. Capogrossis Schaffen steht im Zusammenhang mit der Erforschung des Zeichens , die in ganz Europa in einer Zeit der Verwirrung und des Nachdenkens entstand, die durch die Erfahrung totalitärer Regime und die Katastrophe des Weltkriegs ausgelöst wurde: Infolgedessen begann man, die zentrale Stellung des Menschen in Frage zu stellen. Eine philosophische Strömung wie der Existenzialismus machte die ganze Endlichkeit und Unsicherheit des menschlichen Lebens deutlich. Es war eine Krise, die in der bildenden Kunst zur Einführung neuer Arbeitsweisen, einer alternativen Kunst, führte. Michel Tapié sprach zum ersten Mal von dieser " art autre" und fasste die Neuerungen unter dem Begriff " informell" zusammen, um eine Kunst zu bezeichnen, die neue Methoden, neue Gesten wählte. Diese Tendenz konzentrierte sich auf die Materie, auf das Zeichen, und war in Italien unter anderem durch die Produktion von Capogrossi vertreten. Zusammen mit Alberto Burri gilt er als einer der größten Vertreter der informellen Malerei und zählt zu den Künstlern der römischen Schule.

Sein persönlicher Beitrag zur Poetik des Zeichens, der kontrollierten Geste, trug dazu bei, mit der vorherrschenden Tradition in der italienischen Kunstszene zu brechen und die Darstellung des objektiven und realen Datums abzulehnen. Die Kunst, die in den 1950er Jahren entstand, erlaubte eine neue Freiheit des Ausdrucks.

Capogrossis Forschung bestand in der Erforschung der Kraft der Farbe, die auf der Wiederholung elementarer zweidimensionaler Elemente und Zeichen beruhte. Darin fand er “den primären Grund” für seine Malerei und ließ Theorie und Inhalt beiseite. Diese Untersuchung führte dazu, dass er 1950 zusammen mit Alberto Burri, Mario Bellocco und Ettore Colla an der Gründung der Gruppo Origine teilnahm. Diese Erfahrung dauerte kaum ein Jahr, war aber bezeichnend für den Moment, den die italienische Kulturszene nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte.

Diese Annahme passt perfekt zu Capogrossis künstlerischer Forschung, dessen Kunst es schaffte, stark emotional zu sein, während sie sich auf die Wiederholung eines sehr einfachen Symbols und die Beziehung zwischen Farben stützte. Der Künstler stellt sich damit auf die Seite derjenigen in Italien, die sich zur Abstraktion in der Kunst bekennen, ganz im Gegensatz zu den Verfechtern des Realismus. Doch Giuseppe Capogrossi nimmt diese Position nicht sofort ein: Zunächst, zumindest bis 1949, bleibt er ein figurativer Maler, der sich “von der Landschaft und der Figur wegbewegt”, wie Maurizio Fagiolo Dell’Arco es 1999 formuliert.

Das Leben von Giuseppe Capogrossi

Giuseppe Capogrossi wurde am 7. März 1900 in Rom geboren. Sein Vater Guglielmo stammte aus einer römischen Adelsfamilie. Er wandte sich dem Studium der Rechtswissenschaften zu, das er 1922 abschloss. Seine ausgeprägte künstlerische Begabung veranlasste ihn jedoch schon bald, Malerei zu studieren: Zwischen 1923 und 1924 besuchte er die Aktschule von Felice Carena, die damals zu den renommiertesten in Rom zählte. In diesem Umfeld schließt er Freundschaft mit den Malern Fausto Pirandello, Onofrio Martinelli und vor allem Emanuele Cavalli. Von letzterem ist auch ein Gemälde aus dem Jahr 1927 erhalten, auf dem sich Capogrossi neben seinem Freund darstellt. Die beiden verbrachten ihre Sommer gemeinsam in Anticoli Corrado, einem kleinen Dorf im Tal links des Aniene, das damals bei Künstlern, die sich mit malerischen Landschaften umgeben wollten, in Mode war. Hier wurde sich der Maler wahrscheinlich der Notwendigkeit bewusst, die ersten Anzeichen einer persönlichen Neigung zur Suche nach einer archaischen, unberührten Umgebung, weit weg von der Künstlichkeit der Stadt. Mit Fausto Pirandello reiste er 1927 nach Paris, wo er zahlreiche weitere Reisen unternahm: Hier hatte er die Gelegenheit, die Impressionisten zu studieren, sich der Kunst von Pablo Picasso und André Derain zu nähern. Aber der Hauptzweck dieser Reisen war, wie der Maler im März 1929 an seinen Bruder Francesco schrieb, der Versuch, sich in Künstlerkreisen bekannt zu machen.

Zusammen mit den Malern Emanuele Cavalli und Francesco Di Cocco nimmt er 1927 erstmals an einer Gruppenausstellung in Rom teil, die im Hotel Pensione Dinesen stattfindet. Hier präsentiert er seine ersten Werke, die noch im Wesentlichen figurativ sind, darunter Autoritratto (Selbstbildnis ) und Casa in Demolizione (Haus im Abriss), beides Werke, die sich durch einen “minimalistischen Realismus” auszeichnen, so der Kunsthistoriker Wart Arslan in seinem Artikel Una mostra giovanile (veröffentlicht im Corriere d’Italia im Juni 1927). Zusammen mit Cavalli und Corrado Cagli stellte er im Februar 1933 in der Galleria il Milione in Mailand und im Dezember desselben Jahres in der Galerie Bonjean in Paris aus. In diesen Jahren hatte Capogrossi einen Malstil entwickelt, der sich auf die Figuration und den Tonalismus konzentrierte. Aus dieser Zeit stammen Il vestibolo, das 1933 in Paris ausgestellt wurde, und Piena sul Tevere (1934). In den 1940er Jahren beginnen sich die Dinge zu ändern: Die Nachkriegszeit ist für den Künstler eine Zeit der intensiven Reflexion. Das Jahr 1946 ist das Jahr seiner ersten Einzelausstellung in Rom in der Galleria San Marco.

Aus demselben Jahr stammt eine Reise nach Sardinien, die ihn zu erleuchten schien. Die sardische Landschaft mit ihren Farben und Lichtern ließ ihn die Natur in ihrem ursprünglichen Kontext schätzen. Hier entwickelte sich ein wichtiger Knotenpunkt seiner künstlerischen Konzeption, es war ein Moment, in dem eine neue Betrachtung des archetypischen Zeichens und eine neue Berücksichtigung der Farbe begann. Er gab damit die Bildsprache auf, die ihn in den 1930er Jahren geprägt hatte: Von den figurativen Gemälden, die ihm eine gewisse Berühmtheit einbrachten, ist nicht viel bekannt. Zur Zeit seines künstlerischen Durchbruchs in den 1950er Jahren machte sich Capogrossi nämlich auf die Suche nach seinen noch figurativen Gemälden, um sie zu zerstören. Es ist auch wahrscheinlich, dass sich die Werke aus den 1920er Jahren noch in seinem Besitz befanden, so dass es für ihn noch einfacher war, sich von ihnen zu trennen.

Nach seiner entschiedenen Ablehnung der Figuration wandte sich Capogrossi einer neokubistischen Rekonstruktion des Bildes zu. Das neokubistische Moment war kurz, diente aber als Übergangsbrücke zur Abstraktion. Diese Periode endet 1949: Superficie 022 (1949) ist eines seiner ersten abstrakten Gemälde. Seine erste nicht-figurative Ausstellung findet 1950 in der Galleria il Secolo in Rom statt: Hier stellt er Leinwände aus, die seinen neuen Bildmodus präsentieren, der aus sich wiederholenden Zeichen und identischen Titeln besteht. Der römische Maler begann nämlich, alle seine Werke Superfici zu nennen, die pünktlich nummeriert waren.

Zwischen 1950 und 1951 nimmt er an einer kurzen Erfahrung teil, nämlich der Gründung der Gruppe Origine zusammen mit den Malern Mario Ballocco, Alberto Burri und Ettore Colla. Die vier verfassten ein kurzes Manifest, in dem sie erklärten, dass sie “die künstlerische Forschung von den vielen Überstrukturen befreien” wollten, um “das Gefühl des Lebens im Geheimnis seiner Entfaltung” am Ursprung auszudrücken. Die Gruppe organisierte die “Origine-Gruppenausstellung” in der Galerie Origine in Rom, löste sich aber bald wieder auf und bestand nur ein Jahr lang. Nach diesem kurzen Intermezzo war Capogrossi weiterhin erfolgreich und stellte auf großen Kunstausstellungen in Europa und Amerika aus. Bis 1951 hatte er sich einen Namen gemacht: Er arbeitete regelmäßig mit den Galerien Il Cavallino in Venedig und Il Naviglio in Mailand zusammen. Von hier aus verbreiteten sich seine Werke und wurden auch ins Ausland verkauft. Noch 1951 nimmt er regelmäßig an verschiedenen Gruppenausstellungen in Paris und später in London und Stockholm teil. In den folgenden Jahren arbeitet er viel in Amerika: Zwei Einzelausstellungen in der Leo Castelli Gallery in New York und in der Sistina Gallery in São Paulo (beide 1958) sind erwähnenswert.

Giuseppe Capogrossi kommt auch mit der dekorativen Kunst in Berührung, indem er sich der Herstellung von emaillierten Keramiken widmet und sogar seine Entwürfe für Wandteppiche zur Verfügung stellt. Diese Produktionen waren immer wieder neue Ideen, um sein rhythmisches und zahnartiges Zeichen fortzusetzen, was den unerschöpflichen Forschungs- und Erkundungswillen des Malers beweist. Der Künstler wurde so anerkannt und etabliert, dass Palma Bucarelli, Direktor der Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom, 1968 einen ganzen Saal seinen Werken widmete. In der italienischen Hauptstadt stirbt Capogrossi am 9. Oktober 1972. Im selben Jahr begannen die Erben des Malers (seine Tochter Olga und sein Enkel Guglielmo), dokumentarisches Material über sein Werk zu sammeln. DasCapogrossi-Archiv wurde in Rom gegründet, um das Studium des Künstlers und seines Werks zu schützen und zu fördern.

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Werke und Stil von Giuseppe Capogrossi, von der Landschaft bis zum Zeichen

Giuseppe Capogrossi gilt aufgrund seines Umgangs mit dem Sujet, seiner Berücksichtigung von Farbe, Zeichen und Geste als einer der Hauptvertreter desitalienischen Informalismus.

Seine frühe künstlerische Tätigkeit war figurativ und tonal. Capogrossi wendet sich von der Landschaft ab: 1927 schafft er das Haus im Abriss, ein Werk , das eine schnelle malerische Studie offenbart, die an die Erfahrung des Impressionismus anknüpft, die er auf seinen häufigen Reisen nach Paris gemacht hat. Hier versucht , die Atmosphären in einer Art grau-bräunlichem Nebel zu versenken, in dumpfen, angenehmen Farbtönen, die hier und da durch zaghafte Beleuchtungen belebt werden.

Die frühen Capogrossi benutzten schnelle, aber sichere Pinselstriche, um Formen zu formen. In dieser Tafel erkennt man das Vertrauen des Malers in die Kraft der Farbe, der er die gesamte Darstellung überließ. Er hat der Farbe nur erlaubt, Gegenstände anzudeuten, wie im Fall des Fahrzeugs auf der rechten Seite oder der zum Fluss hin abfallenden Treppe. Haus im Abriss ist ein Ölgemälde auf Tafel, ebenso wie das im selben Jahr entstandene Selbstporträt mit Emanuele Cavalli. Der Künstler hat sich selbst zusammen mit seinem Freund gemalt, wobei beide den Betrachter mit einem starren, schweigenden, aber beredten Blick ansehen: Auch dieses Werk zeichnet sich durch einen warmen Ton aus, wobei die Palette mit Erd- und Ockertönen spielt.

Die Mitte der dreißiger Jahre ist durch einen Realismus in der Definition der Szene und ein Element des Geheimnisses gekennzeichnet. Eine Stille der Figuren, die an Piero della Francesca erinnert. Vestibül, ein Öl auf Leinwand von 1932, zeigt einen geschlossenen Raum, in dem mehrere nackte Personen stehen. Die männliche Figur verrätCapogrossis Interesse an der Malerei Picassos (siehe z. B. Zwei junge Männer von Pablo Picasso, an dessen Gangart er sich erinnert). Auch in dieser Zeit ist die Verwendung der Farbe für Capogrossi von zentraler Bedeutung, der er die Schaffung von Formen und die Steuerung der räumlichen Tiefe anvertraut. In Das Gewitter(1933) ist die Figuration auf einer archaischen Erinnerung aufgebaut. Die Figuren sind in ihrer Geste kristallisiert, sie kommunizieren nicht, sondern verharren zwischen dem Physischen und dem Metaphysischen. Voll auf dem Tiber, 1934, ist ein Gemälde, in dem die Kabinen eine visuelle Barriere bilden und einen Moment des Schwebens darstellen, der nur von den Figuren auf der linken Seite belebt wird.

In den 1940er Jahren schwindet Capogrossis Interesse an der Figuration. Seine künstlerische Vision wird immer vielseitiger und seine ständigen Kontakte mit der Pariser Umgebung führen ihn zur neokubistischen Lehre. Im Jahr 1948 schuf er Die zwei Gitarren: In diesem Werk wird mehr gezeichnet, die Linien sind eher scharf und entschieden. Die Farbe ist immer noch der Protagonist, lässt aber mehr Raum für eine klare Aufteilung der Formen, die quadratisch werden. Hier beginnt der Maler eine Suche nach geometrischen Elementen, die ihn später zu einer immer stärkeren Vereinfachung der Szene führt. Das Ergebnis dieser Suche ist Superficie 022 (1949): Reine Formen und reine abstrakte Zeichen sind auf dem weißen Hintergrund in einem absoluten Schwarz-Weiß-Paar gestapelt. Capogrossi konzentrierte sich auf eine einzige Form, einen Archetyp, den er in geordneter Weise wiederholte; der Rhythmus wird hier von diesem einzigen Schlüsselzeichen in Schwarz bestimmt, das in geordneten Reihen wiederholt wird, wobei er seine Struktur allmählich variiert, ohne jemals sein Zeichenprinzip aufzugeben. Mit diesem Gemälde von 1949 verliert Capogrossi jeden Kontakt zum Realismus und schlägt den Weg derAbstraktion ein.

In Argan (1967) heißt es: “Diese frühen Gemälde sind nicht so sehr Werke als ’Untersuchungen des Zeichens’”. Superficie 022 wurde zum ersten Mal 1950 in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom ausgestellt, wo es heute noch aufbewahrt wird. Es war die erste Einzelausstellung mit abstrakten Werken von Giuseppe Capogrossi. Von da an basierte seine Produktion im Wesentlichen auf der rhythmischen Wiederholung elementarer Zeichen. Kamm-, Dreizack- und Gabelformen: alles zweidimensionale Archetypen, die in zahlreichen Varianten immer wieder in neuen kombinatorischen und chromatischen Lösungen neu arrangiert werden. Die Richtung des Zeichenrhythmus konnte horizontal, vertikal oder diagonal sein, aber von nun an nannte Capogrossi sie immer Superficie (Flächen), flankiert von einer fortlaufenden Nummer. Die Oberfläche der Leinwand wurde in der Vorstellung des Malers zu einer Art Nullpunkt, zu einem idealen Feld, auf dem sich die Elemente anordnen und kreuzen konnten, um jedes Mal eine neue rhythmische Beziehung zu schaffen.

Surface 596 stammt aus dem Jahr 1950: Das Zeichen ist fast ursprünglich, wiederholt und gestapelt, um parallele Reihen in einem sehr freien Umgang mit dem Raum zu bilden. Superficie 608, das im folgenden Jahr entstand, ist bereits ein anderes Werk als das ein Jahr zuvor entstandene. Die in schwarzer Tempera ausgeführten Zeichen mögen sich unterscheiden, sind moduliert, aber der archetypische Ursprung ist immer grundlegend. Die Malerei wird als Mittel positioniert, als etwas, das die räumliche Dynamik aktiviert. Der Raum wiederum wird Augenblick für Augenblick von den Augen des Betrachters erzeugt, der an der Bewegung teilnimmt, indem er die rhythmische Skandierung liest und durchläuft, die von den Körpern und den Leerräumen vorgeschlagen wird, die beide notwendig sind. Die Intervalle, die in diesem Papier auf der Leinwand ausgebreitet sind, sind wichtig, weil sie zum Rhythmus mit der gleichen Bedeutung beitragen wie eine Pause in einem Musikstück. 1956 schuf Capogrossi die Superficie 154: Auf hellem Grund sind schwarze Zeichen klein in Reihen angeordnet. Diese wiederholen sich dann in größerem Format im Vordergrund. Die klassische Zweifarbigkeit von Schwarz und Weiß wird durch rote und orangefarbene Einschübe aufgelockert. Die Komposition gibt einen archaischen Geschmack wieder, zeitlos für die Originalität des Vorschlags, der immer um dieses ursprüngliche Element kreist und es als Teil eines grundlegenden, archetypischen und imaginären Alphabets platziert.

Von den Erfahrungen, die Capogrossi im Bereich der angewandten Kunst gemacht hat, ist ein Wandteppich erhalten geblieben, Astratto, der heute im Besitz der Galleria Nazionale d’Arte Moderna ist. Capogrossi entwarf ihn 1963 für die Turbonave Michelangelo und widmete seine Zeichenvision auch der wichtigeren Kunst des Webens.

ogrossi, Superficie

Wo sind die Werke von Giuseppe Capogrossi in Museen zu sehen?

In Italien befinden sich viele Werke von Giuseppe Capogrossi heute in privaten Sammlungen. Mehrere Werke des Malers befinden sich in der Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom, darunter Superficie 018 (1948), Superficie 022 (1949) und auch Superficie 335 (1959). Auch der Wandteppich Astratto (1963) sowie eines seiner figurativen Gemälde, Il temporale (1933), werden hier aufbewahrt. In Turin, in der Galleria Civica di Arte Moderna e Contemporanea, befinden sich die Werke Superfici 89, 102, 141 und 213, die alle Anfang der 1950er Jahre entstanden sind.

Die bereits erwähnte Oberfläche 154 (1956) befindet sich in Mailand, im Besitz der Sammlung Banca Intesa. In Venedig ist Superficie 236, Öl auf Leinwand von 1957, im Peggy Guggenheim ausgestellt. Im Mart in Rovereto befindet sich Superficie 678 (Karthago), ein Öl auf Papier auf Leinwand von 1953.

Im Ausland sind im Museum of Modern Art in New York zwei Werke aus dem Jahr 1953 zu sehen, die unter dem Titel Composition und Section 4 präsentiert werden. Ebenfalls in New York werden die Werke Superficie 210 (1957) und Superficie 236 (1957) im Solomon Guggenheim Museum aufbewahrt.

Giuseppe Capogrossi, Leben, Werk und Stil des Zeichenkünstlers

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