Giovanni Segantini, Leben und Werk des großen symbolistischen Malers

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Giovanni Segantini (Arco, 1858 - Monte Schafberg, 1899), einer der bedeutendsten Maler des Symbolismus, ist eng mit der Schweiz verbunden, wo er einen großen Teil seines kurzen Lebens verbrachte (er starb im Alter von nur 41 Jahren an einer Bauchfellentzündung, während er in den Bergen intensiv malte). Sein Werk zeichnet sich durch ländliche und bukolische Themen aus, zunächst in veristischer Manier, indem er Ansichten und Szenen des ländlichen Lebens in der Lombardei darstellt, dann wendet er sich dem Naturalismus zu, der von der Schule von Barbizon inspiriert ist, und schließlich wendet er sich dem Symbolismus zu, indem er die Natur als Allegorie benutzt, um bestimmte Überlegungen und Botschaften darzustellen.

Die allmähliche Hinwendung zum Symbolismus fällt auch mit einem bedeutenden technischen Wandel zusammen, d. h. Segantini gibt nach und nach die Mischfarben auf und führt die divisionistische Technik ein. Diese Technik, die direkt vom Pointillismus abgeleitet ist, besteht darin, Formen zu malen, indem er Striche und Linien aus reinen Farben nebeneinander setzt, so dass die Szene auf den ersten Blick ohne scharfe Konturen erscheint. Heute gilt Segantini als einer der führenden italienischen Maler des Divisionismus. Wiederkehrende Themen in seinen Werken sind die Landschaft (Ställe mit Rindern, Schafherden, Frauen, die mit Materialien arbeiten), die Mutterschaft, die anfangs veristisch dargestellt wird und dann in die Verurteilung von Frauen umschlägt, die sie ablehnen (ein Thema, das auf das Trauma zurückgeht, das Segantini persönlich erlebte, als er als Kind seine Mutter verlor), und die Berglandschaft.

Das Leben von Giovanni Segantini

Giovanni Segantini wurde am 15. Januar 1858 als Sohn von Agostino Segantini und Margarita de Girardi in Arco im Trentino geboren, einer Region, die damals zum österreichischen Kaiserreich gehörte. Nach dem frühen Tod seiner Mutter im Jahr 1865 beschloss sein Vater, ihn nach Mailand zu einer älteren Tochter aus einer früheren Beziehung zu schicken. Die Zeit in Mailand war jedoch nicht glücklich für Segantini, da er die Entfernung von seiner Familie spürte und begann, sich in sich selbst zurückzuziehen, und von allen isoliert wurde, da er als staatenlos galt und keine echte Staatsbürgerschaft besaß. Außerdem wurde er wegen Landstreicherei verhaftet und in eine Erziehungsanstalt eingesperrt, aus der er 1873 entlassen wurde. Nach seiner Entlassung lässt er sich in der Nähe von Trient bei einem anderen Halbbruder namens Napoleon nieder und arbeitet in dessen Werkstatt, um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten.

Nach einem Jahr kehrte er nach Mailand zurück. Da er inzwischen seine Leidenschaft für die Malerei entdeckt hatte, schrieb er sich für Abendkurse an der Akademie der Schönen Künste in Brera ein, die er durch seine Arbeit in der Werkstatt des Dekorateurs Luigi Tettamanzi finanzieren konnte. An der Akademie hatte er Giuseppe Bertini, einen romantischen und veristischen Maler, als Professor, und es ist kein Zufall, dass seine frühen Werke den Einfluss des lombardischen Verismus zeigen. Segantini stellte seine Gemälde zum ersten Mal während der Jahresausstellung der Akademie im Jahr 1879 der Öffentlichkeit vor und erregte damit das Interesse der Kritiker und insbesondere des Künstlers, Kritikers und Händlers Vittore Grubicy. Segantini arbeitete lange Zeit mit Grubicy zusammen, vor allem seit dieser mit seinem Bruder eine Kunstgalerie in Mailand eröffnete, die sich als Brutstätte für verschiedene lombardische Künstler und insbesondere für die Scapigliati erwies. Zu Segantinis Freundeskreis gehörte auch Carlo Bugatti, ein Designer und Kunsttischler, der kurz darauf sein Schwager wurde. Der Maler heiratet Bice Bugatti, die Schwester seines Freundes, und zieht mit ihr nach Brianza. In den folgenden Jahren setzt er seine Arbeit dank der Unterstützung von Grubicy fort, mit dem er 1883 einen Exklusivvertrag für seine Galerie abschließt.

In dieser Zeit erhielt er auch seine ersten nationalen und internationalen Auszeichnungen, denn im selben Jahr gewann er die Goldmedaille auf der Internationalen Ausstellung in Amsterdam für das Werk Ave maria a trasbordo (in der ersten Fassung von 1882) und erhielt einen Preis in Antwerpen für La tosatura delle pecore (1883-1884). Das Werk Alla stanga aus dem Jahr 1886 brachte ihm dann die größte Ehre ein, denn neben dem Gewinn einer weiteren Goldmedaille in Amsterdam erhielt er ein Kaufangebot des italienischen Staates für die GNAM - Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom, wo sich das Werk noch heute befindet. Im selben Jahr wie der Erfolg von Alla Stanga zog Segantini in die Schweiz, nach Savognin. Hier macht er sich mit der Technik des Divisionismus vertraut, während Grubicy und seine eifrige Werbetätigkeit ihm in der Zwischenzeit zu größerem internationalen Ruhm verhelfen: Segantini nimmt an der Italienischen Ausstellung in London teil und wird als Mitarbeiter von Kunstzeitschriften sehr bekannt und begehrt. Einige Jahre später, im Jahr 1894, verspürte der Künstler den Wunsch, sich in die Einsamkeit zurückzuziehen, um zu meditieren, und kultivierte einen persönlichen Hang zum Mystizismus, so dass er erneut umzog und sich für Maloja im SchweizerEngadin entschied, das nur von den imposanten Alpenbergen umgeben war. Die majestätische und einsame Landschaft sollte in seinen späteren Werken eine wichtige Rolle spielen.

Er verliebte sich so sehr in diese Gegend, dass er ein einzigartiges Kunststück vollbringen wollte: Er wollte für die Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 einen Pavillon bauen, der genau dem Engadin gewidmet war. Ursprünglich war der Pavillon als kreisförmiger Bau konzipiert, der eine riesige, 70 Meter breite und 220 Meter lange Leinwandreproduktion der lokalen Landschaft enthalten sollte, aber die unerschwinglichen Kosten des Projekts zwangen ihn zu einer Verkleinerung, so dass Segantini daraus die drei berühmten Leinwände machte, die heute unter dem Titel Alpentriptychon zusammengefasst sind. Das Triptychon wurde jedoch von den Auftraggebern des Pavillons abgelehnt, da sie der Meinung waren, dass es das touristische Bild der Region, das sie in Paris zeigen wollten, nicht angemessen widerspiegelte, so dass das Triptychon im italienischen Pavillon ausgestellt wurde. Der Maler starb am 28. September 1899 im Alter von 41 Jahren, während er auf dem Schafberg malte, an einer Blinddarmentzündung, die zu einer Bauchfellentzündung führte. Er wurde auf dem Friedhof von Maloja beigesetzt.

Segantinis Stil und Werke

Die Parabel von Giovanni Segantinis Malerei beginnt mit einer frühen veristischen Produktion, in der er Einblicke in das typische bäuerliche Leben in der Lombardei gibt. Später wendet er sich mehr symbolistischen Themen zu, die durch sein Festhalten an der divisionistischen Technik betont werden. Von den frühen Werken sind die wichtigsten Il coro della chiesa di Sant’Antonio Abate in Milano (1879), in dem der Maler ein sehr gutes Studium des Lichts und eine ausgesprochen getreue Wiedergabe der Details der verkürzten Darstellung beweist, und Il Naviglio a Ponte San Marco (1880), wo wiederum die Wiedergabe des Lichts dem Gemälde eine große Qualität verleiht. Das Besondere an diesen frühen Gemälden ist, dass sie beide kleinformatig sind.

Bei den späteren Werken handelt es sich hauptsächlich um Genreszenen, die in der lombardischen Landschaft angesiedelt sind und Fragmente des damaligen Lebens auf die Leinwand bringen, darunter typische Gegenstände und Kleidung. In diesen Werken kann man auch sofort Anklänge an die Malerei von Barbizon und Jean-François Millet erkennen. Zu den bedeutendsten gehören die Zampognari in Brianza (ca. 1883-1885), eine einfache Szene, die jedoch durch die Darstellung der Protagonisten, einschließlich der titelgebenden Dudelsackspieler, die in Wirklichkeit seitlich, in Halbdistanz, positioniert sind, deutlich wird. Dazu gehören die titelgebenden Dudelsackspieler, die in Wirklichkeit seitlich, im Halbdunkel und in gebückter Haltung dargestellt sind, und die Frauen in typischer Kleidung, die ihnen bei ihrer Arbeit zuhören, wobei der Unterschied zwischen der jüngeren, die sich von der Melodie ablenken lässt, und der älteren, die unverdrossen weiterarbeitet, besonders auffällt. Die Kokonsammlung von 1882 hingegen zeigt drei Frauen verschiedener Generationen bei der Arbeit in einem ländlich anmutenden Raum, wobei das Sonnenlicht die Arbeit geschickt beleuchtet, während der Rest des Raumes im Dunkeln liegt.

Die beiden Werke Die Segnung der Schafe (1884) und Eine Vormesse (1884-86) zeigen die ersten Anzeichen von Symbolismus, erkennbar an der Wahl, die Brianza-Ansichten von Inverigo und Veduggio erkennbar, aber nicht originalgetreu wiederzugeben und sie zu überarbeiten, um dem Gemälde mehr Monumentalität zu verleihen. In A messa prima zum Beispiel sollte die Kirche im Verhältnis zu den Stufen um 180 Grad gedreht erscheinen, während sie in diesem Werk verschoben wurde, um den Priester stärker zu isolieren und ihm einen höfischeren Eindruck zu verleihen. Tatsächlich konzentriert sich Segantini in diesen Werken sehr auf die Vertikalität der Verkürzung, um die geistige Aufladung der dargestellten kirchlichen Figuren zu betonen. Segantinis naturalistische Phase erreichte ihren Höhepunkt mit Alla stanga (1886), das er während einer Freiluftmalerei in Caglio in der Provinz Como malte, wohin sich der Maler zurückgezogen hatte, um in Einsamkeit zu malen. Das Gemälde war ein großer Erfolg bei Kritikern und Publikum und erwies sich als Segantinis letztes Werk, in dem die Farben auf der Leinwand gemischt aufgetragen werden, bevor er zum Divisionismus überging. Die in dem Werk wiedergegebene Landschaft ist zwar wiedererkennbar, aber nicht ganz naturgetreu, da sie Bilder von verschiedenen Orten miteinander verbindet. Das Gefühl der Offenheit, das durch die starke Verkürzung entsteht, deutet darauf hin, dass der Maler das Mittel der Landschaftsansicht nicht zur Wiedergabe eines bestimmten Ortes, sondern zur Darstellung der Unendlichkeit nutzen wollte.

Das Jahr 1888 stellt für Segantini sowohl persönlich als auch künstlerisch einen Wendepunkt dar, da er zu diesem Zeitpunkt auf dem Höhepunkt seines Erfolges und seiner ersten internationalen Anerkennung in die Schweiz übersiedelt und beginnt, deutlich mehr symbolistische Elemente in seine Werke aufzunehmen. In dieser Periode führte der Maler ein Thema, das bereits in den Werken der Naturalistenzeit behandelt worden war, nämlich die Mutterschaft, zu einem Höhepunkt der allegorischen Absicht. Zwar war bereits in dem früheren Ave Maria bei der Umladung (1882) eine Mutter zu sehen, die ihr Kind zärtlich umarmt, aber in dem Werk Die zwei Mütter (1889) erscheint eine genaue Parallele zur Mutterschaft sowohl bei Menschen als auch bei Tieren: Sowohl eine Frau, die einen Säugling in ihren Armen schlafen legt, als auch eine Kuh, die ihr Kalb an ihrem Bein ruhen lässt, sind zu sehen. Das Werk wird etwa zehn Jahre später unter demselben Titel erneut vorgeschlagen, aber diesmal sind eine Mutter und ein Kind dargestellt, die zusammen mit einem Schaf und seinem Lamm einen Bergpfad entlanggehen, und die Technik ist im Gegensatz zur ersten Version nun weitgehend pointillistisch. Das Thema Mutterschaft taucht auch in den beiden symbolistischsten Gemälden Segantinis auf, Die bösen Mütter (1894) und Der Engel des Lebens (1895), die er in verschiedenen Versionen malte.

Für Die bösen Mütter ließ sich Segantini von Konzepten aus einem Text des Librettisten Luigi Illica in Nirvana inspirieren. Der Maler, der in seiner Kindheit durch den frühen Verlust seiner Mutter gezeichnet war, nutzte diesen Text, um alle Frauen zu verurteilen, die in ihrem Leben aus welchen Gründen auch immer die Mutterschaft zugunsten sexueller Vergnügungen abgelehnt hatten, und um darüber hinaus auf einer figurativen Ebene das symbolistische Konzept des Dualismus zwischen Frau-Mutter und Frau-Weib darzustellen. Im Zentrum des Werks steht eine weibliche Figur, die, wie im literarischen Referenztext, in einer Birke gefangen ist und von den Stimmen der Kinder gequält wird, die sie nie hatte. Die Köpfe der besagten Kinder tauchen aus den Ästen und Wurzeln der Bäume auf, und einer von ihnen setzt sich an die Brust der Frau, und diese Geste leitet einen Weg der Erlösung ein, der sie ins Nirwana führen wird. All dies spielt sich in einer eisigen Umgebung ab, in der kahle, verdrehte Bäume hervorstechen, die das Gefühl des Unbehagens und der Qualen der sündigen Frauen unterstreichen, obwohl sie sich auf dem Weg zur Vergebung befinden. Der Engel des Lebens ist hingegen eine Art heidnisches Gegengewicht zur Jungfrau mit Kind, einem klassischen Thema der religiösen Malerei. Die ätherische Mutter sitzt auf einem Thron aus verdrehten Birkenzweigen und hält ein kleines Kind. Die teils blühenden, teils verdorrten Zweige symbolisieren den Kreislauf von Leben und Tod, über dem die Mutterschaft ewig thront.

In den bisher beschriebenen Werken ist die Technik des Divisionismus in mehreren Details vorhanden, aber noch nicht vorherrschend, während das Gemälde, das die vollständige Übernahme markiert, das Werk Liebe am Lebensbrunnen von 1896 ist, das ein Liebespaar darstellt, das sich einem Brunnen nähert, wo es auf einen Engel trifft, der ihn bewacht.Der Pointillismus basiert auf demselben Konzept wie der Pointillismus, bei dem einzelne, nebeneinander gesetzte Farblinien die Form, die sie darstellen sollen, optisch wiedergeben. In diesem Werk nutzt Segantini dieses Mittel, um sowohl die Landschaft als auch die Figuren der beiden Protagonisten zu malen, wodurch ein Werk entsteht, das leicht, ätherisch und verdünnt, aber gleichzeitig in voller Bewegung ist.

Segantinis letztes Hauptwerk ist das Alpentriptychon oder Engadiner Triptychon, in dem Ansichten des Engadins zu verschiedenen Tageszeiten gemalt werden, um den Zyklus des Lebens zu symbolisieren, wie die trockenen und blühenden Zweige in Der Engel des Lebens. Die Titel der drei Werke lauten La vita (Das Leben), in dem das Thema der Mutterschaft mit der Figur der Mutter und des Kindes in einer Landschaft wiederkehrt, die auch auf die Mutter Erde verweist; La natura (Die Natur), in dem der Moment der Rückkehr von der Weide dargestellt ist, und La morte (Der Tod), dargestellt durch eine Gruppe von Frauen in Trauerkleidung, die bei Tagesanbruch auf den Beginn einer Beerdigung warten. In allen drei Gemälden wird die divisionistische Komponente durch die Verwendung von Farbfäden bestätigt, die gekonnt eingesetzt werden, um die Modulation des Lichts je nach Tageszeitpunkt wiederzugeben. Das gesamte Triptychon wurde von Segantini in der freien Natur geschaffen und war sein letztes Projekt in den letzten Monaten seines Lebens.

Wo man die Werke von Giovanni Segantini sehen kann

Das Schweizer Engadin war für Segantinis Leben von grundlegender Bedeutung, und die Anwesenheit des Malers dort wird auch heute noch auf verschiedene Weise gefeiert. So wurde in Maloja ein 12-stufiger Weg, der “Segantini-Weg”, angelegt, der zu einem hölzernen Ausstellungsraum führt, der den für die Pariser Weltausstellung 1900 entworfenen Engadiner Pavillon nachbildet. Das Gebäude enthält jedoch nicht das Alpentriptychon, das sich im Segantini-Museum befindet. Dieses Museum wurde in St. Moritz, dem Hauptort des Engadins, eigens für die würdige Erhaltung des Alpentriptychons eingerichtet und beherbergt den grössten Teil der Werke des Malers, nämlich 55 Gemälde und Arbeiten auf Papier sowie verschiedene Zeichnungen. So sind hier unter anderem Die Kuh im Stall (1882), Die Segnung der Schafe (1884), Die Schafschur (1886-87), Das tote Reh (1892) und Die Heuernte (1889-98) erhalten.

In Mailand befinden sich zwei Gemälde in der Gallerie di Piazza Scala, nämlich Der Chor der Kirche Sant’Antonio Abate in Mailand (1879) und Das Sammeln von Kokons (1882), während die Civica Galleria d’Arte Moderna die Version von 1889 von Die beiden Mütter (1889), Der Engel des Lebens (1894) und Die Liebe an der Quelle des Lebens (1896) beherbergt.

Darüber hinaus beherbergt die GNAM - Nationale Galerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom, wie in der Biografie erwähnt, das berühmte Alla stanga (1886).

Giovanni Segantini, Leben und Werk des großen symbolistischen Malers

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