Frida Kahlo. Leben und Werk zwischen naiver Kunst, Surrealismus und Muralismus

Frida Kahlo (Coyoacán, 1907 - 1954) war eine der bedeutendsten Künstlerinnen der mexikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Sie und ihr Mann Diego Rivera (Guanajuato, 1986 - Mexiko-Stadt, 1957) bildeten eines der emblematischsten Paare des 20. Jahrhunderts: Ihre Liebesgeschichte war ebenso leidenschaftlich wie gequält und untreu. Im zarten Alter von achtzehn Jahren wurde Kahlo Opfer eines schrecklichen Unfalls, bei dem sie sich die Wirbelsäule, die Rippen und den Fuß brach und sich im Laufe ihres Lebens etwa zweiunddreißig Operationen unterzog, um die Schmerzen zu lindern. Trotz ihres schwachen Gesundheitszustands wurde Frida Kahlo von denjenigen, die sie kennenlernten, als eine sehr leidenschaftliche, unabhängige und rebellische Frau beschrieben: Als Teenager kleidete sie sich gerne wie die Soldatinnen der mexikanischen Revolution, trat der Kommunistischen Partei bei und hatte zahlreiche Liebhaber, sowohl Männer als auch Frauen.

Ihre Gemälde wurden von Diego Rivera, aber auch von dem surrealistischen Dichter André Breton und Künstlern wie Pablo Picasso, Joan Miró, Vasilij Kandinsky und vielen anderen, die ihr Talent erkannten, sehr geschätzt. Viele hielten sie für eine Künstlerin, die der Strömung des Surrealismus zuzurechnen war, aber Frida akzeptierte nie, in diese Kategorie eingeordnet zu werden. Ihre Malerei weist zwar Gemeinsamkeiten mit der surrealistischen Bewegung auf, ist aber stets originell und eigenständig, was sie zu einer der bedeutendsten Künstlerinnen Mexikos werden ließ.

Obwohl sie als naive Künstlerin gilt, da sie ohne traditionelle Ausbildung malte (sie lernte einige Grundzüge von einem Graveur, Fernando Fernández, einem Freund der Familie, und hatte keine anderen Lehrer) und sich ausschließlich von ihren Gefühlen leiten ließ, behandelt ihre Kunst eine große Bandbreite von Themen (von der Darstellung des Selbst (von der Darstellung des Selbst bis zu Geschlechterfragen, von der Identität bis zum Postkolonialismus) mit einem Ansatz, der das Fantastische und das Reale vermischt (in Anlehnung an den Surrealismus und den magischen Realismus und mit der Unmittelbarkeit des Muralismus), was ihr internationale Aufmerksamkeit verschafft hat, was in gewisser Weise durch ihre biografische Geschichte begünstigt wurde.

Frida Kahlo

Leben von Frida Kahlo

Frida Kahlo wurde am 6. Juli 1907 (ihr vollständiger Name ist Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón) in Coyoacán, einem Vorort von Mexiko-Stadt, geboren. Fridas Vater, Guillermo Kahlo Kaufmann (geboren als Carl Wilhelm Kahlo), war ein deutscher Fotograf, der 1891 nach Mexiko auswanderte. Seine Mutter, Matilde Calderón y González, war eine wohlhabende Mexikanerin spanischer Abstammung. Das Paar hatte vier Kinder, von denen Frida das rebellischste und leidenschaftlichste war, das eine unabhängige und starke Natur zeigte. Sie fühlte sich als Kind der mexikanischen Revolution und sagte lange Zeit, sie sei 1910 geboren, dem Jahr, in dem die Revolution begann. Im Alter von nur dreizehn Jahren war sie militantes Mitglied der Kommunistischen Jugend, und in ihrer Schulzeit gehörte sie zu einer Gruppe von Jungen, die sozialistisch-nationalistische Ideen vertraten. In dieser Zeit verkleidete sich Frida gerne wie die Soldaderas , d. h. die legendären Frauen, die während der mexikanischen Revolution in vorderster Front kämpften.

Die erste Begegnung mit ihrem zukünftigen Ehemann Diego Rivera fand 1922 im Amphitheater Simón Bolívar in Mexiko-Stadt statt (das 1910 eingeweiht wurde), während der Maler das erste Wandgemälde seiner künstlerischen Laufbahn, Die Schöpfung, malte. Rivera und Frida heirateten sieben Jahre später, 1929, ohne zu ahnen, dass sie zu einem der emblematischsten Paare des 20.

Im Jahr 1925 ereignete sich ein traumatisches Ereignis: Frida wurde auf dem Rückweg von der Schule mit dem Bus in einen schrecklichen Unfall verwickelt. Sie erlitt schwere Verletzungen am Rücken, an den Beinen und an der Schulter, und die Zeit des Gebrechens war für sie eine lange und stille Qual. Während dieser Genesungszeit schenkten ihr ihre Eltern Pinsel und Leinwände, um ihr die Zeit zu vertreiben, und so begann Frida zu malen und eine künstlerische Sprache zu entwickeln, die von ihrer Einsamkeit geprägt war. Sie benutzt sich selbst als Modell: ihren eigenen Körper, ihre Wunden und ihre Gefühle. In dieser Zeit fertigt sie ein Selbstporträt an, das erste einer langen Serie(mehr über Frida Kahlos Selbstporträts lesen Sie hier), das sie Alejandro, ihrem damaligen Freund, schenkt. Dank der Briefe, die die junge Malerin an ihren Freund schickte, kann man die Melancholie und Verzweiflung verstehen, von der sie geplagt wurde. Nach und nach erholte sich Frida langsam und gewann ihre frühere Fröhlichkeit zurück: Sie suchte nach einer Arbeit, pflegte weiterhin ihre Leidenschaft für die Kunst und engagierte sich im kommunistischen Kampf. Gegen Ende der 1920er Jahre lernt Frida die Fotografin Tina Modotti kennen(mehr über die Kunst von Tina Modotti lesen Sie hier), mit der sie eine enge Freundschaft schließt.

Bei einem Abendessen im Haus ihrer Freundin traf Frida auf Diego Rivera, der nach vielen Jahren in Europa nach Mexiko zurückgekehrt war. Die beiden begannen sich zu verabreden, und 1929 heirateten sie im Rathaus von Coyoacán, obwohl Frida wusste, dass sie ständig betrogen werden würde. Das frisch vermählte Paar bezog ein Haus im Zentrum von Mexiko-Stadt, das bald zu einem beliebten Ziel für Künstler, Intellektuelle, Dichter und Revolutionäre wurde. Im Jahr 1930 zogen sie in die Vereinigten Staaten, wo Rivera eingeladen wurde, die Wand im New Yorker Rockefeller Center und einige Fresken in San Francisco zu malen. Während ihres Aufenthalts in den Vereinigten Staaten wurde Frida schwanger, doch aufgrund eines Unfalls konnte sie die Schwangerschaft nie austragen. Sie hatte nie Kinder, und dies war eines ihrer größten Bedauern, das sie auch in ihren Werken mehrfach zum Ausdruck brachte. Frida hatte viele Liebhaber, sowohl Männer als auch Frauen, darunter den russischen Revolutionär Lew Trockij, der 1929 in Mexiko politisches Asyl erhielt. Das Ehepaar Frida-Rivera konnte also als “offen” bezeichnet werden, obwohl Frida in Wirklichkeit sehr unter den ständigen Betrügereien ihres Mannes litt, insbesondere als sie herausfand, dass Rivera sie mit seiner jüngeren Schwester Cristina betrog.

1937 traf der surrealistische Dichter und Intellektuelle André Breton in Mexiko ein, um Trockij zu treffen und eine Reihe von Vorträgen über die neue surrealistische Bewegung zu halten. Breton war sofort von den Bildern der mexikanischen Malerin begeistert, bezeichnete sie als “surrealistisch” und schlug ihr eine Einzelausstellung in Paris vor. Die Ausstellung kam nur dank der entscheidenden Intervention von Marcel Duchamp zustande, und obwohl sie kein besonderer kommerzieller Erfolg war, erlangte Frida die Anerkennung von Künstlern wie Pablo Picasso, Wassily Kandinsky, Joan Miró und Yves Tanguy. 1939 ließen sich Diego Rivera und Frida Kahlo scheiden, aber die politischen Ereignisse überschnitten sich mit dem Privatleben des Paares, so dass die beiden im folgenden Jahr erneut heirateten. Frida knüpfte an diesen zweiten Ehepakt zwei Bedingungen: Die Künstlerin sollte für ihren Lebensunterhalt sorgen und keine sexuellen Beziehungen mehr zu ihrem Mann haben. Fridas letztes Lebensjahrzehnt war durch eine zunehmende Verschlechterung ihres Gesundheitszustands gekennzeichnet, und sie war gezwungen, schmerzhafte orthopädische Zahnspangen zu tragen. Das körperliche Leiden geht einher mit der vollständigen öffentlichen Bestätigung ihrer Arbeit als Malerin, die sich in zahlreichen internationalen Ausstellungen niederschlägt. Im Jahr 1950 muss die Künstlerin sieben Monate lang im Krankenhaus verbringen, wo sie sieben Operationen über sich ergehen lassen muss, ohne dass sich ihr Zustand merklich verbessert. Im Jahr 1953 ehrt Mexiko seine größte Künstlerin mit einer Einzelausstellung in der Hauptstadt, denn es war klar, dass sie nicht mehr lange leben würde. Nach der Amputation ihres rechten Beins im Jahr 1953 unternahm Frida mehrere Selbstmordversuche, in der Hoffnung, den Qualen und Schmerzen, die sie ihr Leben lang begleiteten, ein Ende zu setzen. Sie starb am 13. Juli 1954 an den Folgen einer vernachlässigten Lungenembolie.

Frida Kahlo, Henry Ford Hospital (Das fliegende Bett) (1932; Öl auf Leinwand, 38 x 30,5 cm; Mexiko-Stadt, Museo Dolores Olmedo)

Frida Kahlo, Ein paar Schüsse mit einem Dolch (1935; Öl auf Metall, 48,5 x 38 cm; Mexiko-Stadt, Museo Dolores Olmedo)

Frida Kahlo, Meine Großeltern, meine Eltern und ich (1936; Öl und Tempera auf Metall, 30 x 34 cm; New York, MoMA)

Frida Kahlo, Die zwei Fridas (1939; Öl auf Leinwand, 173,5 x 173 cm; Mexiko-Stadt, Museo de Arte Moderno)

Der Stil und die Hauptwerke von Frida Kahlo

Die künstlerische Laufbahn von Frida Kahlo war völlig eigenständig und unabhängig. Ihre Werke waren sowohl vom mexikanischen Muralismus als auch vom Surrealismus weit entfernt, nahmen aber gleichzeitig bestimmte Aspekte dieser Strömungen auf (wie z. B. ihr Interesse an kräftigen, leuchtenden Farben und Bezüge zu traumhaften Bildern). Kahlo fertigte zahlreiche Selbstporträts an, die ihren körperlichen und seelischen Leidenszustand darstellten. Die Schlüsselaspekte ihrer Werke waren: der Fokus auf den weiblichen Körper, befreit von der stereotypen Macho-Vision, und die Fähigkeit, die kulturelle Identität Mexikos zum Ausdruck zu bringen.

In dem Werk Hospital Henry Ford (The Turning Bed) (1932) liegt Frida auf einem Krankenhausbett mit blutverschmierten Laken. Die ausgewählten Objekte spielen auf ein dramatisches Ereignis an, das Frida zu jener Zeit prägte: die Fehlgeburt, die sich in Detroit während eines Aufenthalts von Frida und Rivera in den Vereinigten Staaten ereignete. Vom Bauch der Frau gehen sechs Fäden aus, die zu Gegenständen mit starkem symbolischen Wert führen. Der untere Teil des Gemäldes zeigt die Knochen eines Beckens, eine verwelkte Orchidee, die Rivera seiner Frau während der Operation geschenkt hat, und eine chirurgische Maschine, die sich leicht auf die gerade durchgeführte Operation zurückführen lässt. Im oberen Teil hingegen führen die drei Fäden zu einer Schnecke, die auf den weiblichen Zyklus oder die Empfängnis anspielt, einem Fötus und einem anatomischen Modell des weiblichen Fortpflanzungssystems. All diese Symbole sind in eine graue, unwirtliche Landschaft mit Detroiter Wolkenkratzern im Hintergrund eingebettet.

Ein weiteres Werk mit Bezug zu seinem persönlichen Leben ist A Few Shots of a Dagger (1935). Das Werk wurde durch einen Zeitungsartikel inspiriert, der die Künstlerin schockierte und eine erschreckende Kriminalgeschichte in ein figuratives Motiv verwandelte. In dem Artikel wurde berichtet, wie ein Mann aus Eifersucht in das Schlafzimmer der Frau, die er liebte, eindrang und sie mit zahlreichen Messern erstach. Als der Mann vor Gericht gestellt wurde, erklärte er, dass es sich nur um ein paar Messerstiche gehandelt habe". In dieser Zeit entdeckte die Malerin auch, dass Rivera eine Liebesbeziehung mit Fridas Schwester Cristina begonnen hatte, und obwohl die Malerin die übliche Untreue ihres Mannes kannte, fügte die Tatsache, dass der Betrug dieses Mal mit ihrer Schwester stattfand, einen schmerzhaften und demütigenden Aspekt hinzu. In dem nackten und geschändeten Körper der Frau, die nur mit einem Strumpf und einem Schuh bekleidet ist, kann man den Körper von Frida erahnen, während man im Gesicht des Mannes neben der Leiche, der ein Messer in der Hand hält, leicht einige somatische Merkmale von Diego Rivera erkennen kann.

Das Thema der Genealogie und der Selbsterkenntnis wurde von Kahlo 1936 in dem Werk Meine Großeltern, meine Eltern und ich aufgegriffen. Das Gemälde zeigt die kleine Frida im Alter von etwa drei Jahren, die in der Mitte des Innenhofs des Familienhauses steht, das später die berühmte Casa Azul werden sollte. Mit ihrer rechten Hand hält das kleine Mädchen Bänder, die in die Bilder ihrer Großeltern mütterlicherseits und väterlicherseits münden, während ihre Eltern in der Mitte posieren. Das Thema der Abstammung und der Identität war für den Künstler ein sehr wichtiges Thema, wahrscheinlich auch wegen seiner Unfähigkeit, Kinder zu bekommen. Diese Unmöglichkeit lastete schwer auf dem Künstler, der Schuldgefühle und die Last mit sich herumtrug, zu den Letzten seiner Familie zu gehören. Nach einer Reise nach Paris und der Scheidung von ihrem Mann Rivera kehrte Frida 1939 in das Haus der Familie, Casa Azul, zurück.

In dieser Zeit schuf die Künstlerin zahlreiche Selbstporträts, darunter das berühmte Meisterwerk Die zwei Fridas (1939). Das Gemälde zeigt zwei Fridas, die auf einer Bank sitzen und sich in Frisur und Pose fast gleichen, aber sehr unterschiedliche Kleidung tragen. Die Frida auf der rechten Seite trägt europäische Kleidung, während die auf der linken Seite traditionelle mexikanische Kleidung trägt. Die beiden Frauen sind durch einen Händedruck und vor allem durch eine Ader verbunden, die die beiden Herzen miteinander verbindet. Die traditionell gekleidete Frida hat ihr Herz auf ihr Hemd gelegt und ist damit völlig ungeschützt, vor allem für die Liebe. In der Hand hält sie eine Kamee, die das Bildnis ihres Mannes Diego Rivera zeigt. Die europäische Frida hingegen trägt ihr Herz geschützt in ihrem Brustkorb und hält eine Schere in der Hand, mit der sie die Vene durchschneidet, die das Herz versorgt. Der starke symbolische Wert dieses Gemäldes ist also klar: Frida will durch einen tiefen Bruch mit ihrer sentimentalen Vergangenheit wiedergeboren werden und sehnt sich nach einem neuen Leben. Für die Künstlerin wurde das Werk zum Ausgleich für einen tiefen Schmerz.

Ein weiteres Werk, das eng mit der Scheidung von ihrem Mann zusammenhängt, ist das Selbstbildnis mit Dornenkette (1940). In diesem Gemälde stellt sich Frida perfekt frontal und regungslos dar, was aufgrund der Geometrie ihres fast perfekten Gesichts an bestimmte mittelalterliche Ikonen oder Werke von Piero della Francesca erinnert. Der fast sakrale Charakter, der das Bild umgibt, ist notwendig, um sie als Märtyrerin zu beschreiben: Frida trägt nämlich eine Art Dornenkrone auf ihrem Hals. Auf ihren Schultern ruht ein Affe, der auf die familiäre Zuneigung anspielt, und eine Katze mit bedrohlichen Augen, die uns an die Vitalität und Sinnlichkeit der Künstlerin erinnert. Das Werk ist zweifelsohne die Selbstdarstellung einer verletzten und gekränkten Frau.

Die zerbrochene Säule (1944) wurde geschaffen, um vermutlich ihr eigenes Martyrium darzustellen. Hier stellt sich die Künstlerin weinend, nackt und mit von Nägeln durchbohrtem Körper dar. In der Mitte des Körpers öffnet sich der Brustkorb und gibt den Blick auf eine ionische Säule frei, die durch sichtbare Risse beschädigt ist. So wie die architektonische Säule intakt sein muss, um das Gebäude zu stützen, so kann auch Fridas Wirbelsäule, die durch den Autounfall beschädigt wurde, ihre Haltung nicht stützen und halten. Dieses Gefühl des Unwohlseins und der Schmerzen wird durch die unwirtliche Landschaft im Hintergrund noch unterstrichen. 1946 unterzog sich Frida einer Rückenoperation. Die Malerin hoffte, dass die Schmerzen nach der Operation verschwinden würden, aber das taten sie nicht: Die Schmerzen kehrten zurück, und die Künstlerin verfiel in Depressionen. Ein Zeugnis dieses tiefen Unwohlseins ist das Werk Der verwundete Hirsch (1946), in dem Frida einen Hirsch malt, dessen Gesicht von Pfeilen eines Jägers verwundet wurde. Die Folter der Pfeile spielt auf die Schmerzen an, die Frida nach ihrer letzten Operation, die nicht wie erhofft verlief, erleiden musste, aber die verwundete Hirschfrau erinnert unweigerlich an das Martyrium des Heiligen Sebastian. Im Hintergrund deutet ein bewölkter, aber vage sonniger Himmel eine schwache Hoffnung auf eine bessere Zukunft an. Im Selbstporträt (1948) malte sich Frida mit einem Gesicht, das vollständig von den für die Gegend von Tehuantepec im Bundesstaat Oaxaca typischen malerischen Falten und üppigen Verzierungen der Kopfbedeckung umgeben ist. Das von Tränen zerfurchte Gesicht deutet auf die körperlichen Leiden hin, die Frida quälten. Die Blumen im Hintergrund wurden als Anspielung auf die Fruchtbarkeit und Fridas Unfähigkeit, Kinder zu bekommen, gedeutet. Diese Interpretation verleiht dem Werk einen zusätzlichen melancholischen Charakter. In ihren Werken kann man die fast obsessive Beziehung zu ihrem gequälten Körper und das starke Interesse an der Verteidigung der Kultur und Tradition ihres Volkes durch ihre Kunst erkennen.

Frida Kahlo, Selbstporträt mit Dornenhalskette und Kolibris (1940; Öl auf Blech, 63,5 x 49,5 cm; Austin, Harry Ranson Center)

Frida Kahlo, Das verwundete Reh (1946; Öl auf Masonit, 22,4 x 30 cm; Privatsammlung)

Frida Kahlo, Die zerbrochene Säule (1944; Öl auf Leinwand, auf Masonit geklebt, 30,5 x 40 cm; Mexiko-Stadt, Museo Dolores Olmedo)

Frida Kahlo, Selbstporträt (1948; Öl auf Masonit, 50 x 39,5 cm; Mexiko-Stadt, Sammlung Samuel Fastlicht)

Wo man die Werke von Frida Kahlo sehen kann

Um das Leben und die Werke von Frida Kahlo vollständig zu verstehen, können Sie das Frida Kahlo Museum in Mexiko-Stadt besuchen. Das Museum ist in der Casa Azul, dem Wohnhaus der Künstlerin, untergebracht und enthält eine Reihe von Werken (wenn auch meist kleinere Arbeiten) und gibt auch einen Einblick in die künstlerische Tätigkeit von Diego Rivera und die Briefe, die er mit Frida austauschte.

Ein weiteres wichtiges Zentrum für Werke von Frida Kahlo ist das Dolores Olmedo Museum, das dank der Sammeltätigkeit von Dolore Olmedo, einer mexikanischen Geschäftsfrau, die nicht weniger als 25 Werke von Frida Kahlo gesammelt hat, entstanden ist. In Mexiko beherbergt das Museo de Arte Moderno das Meisterwerk der Künstlerin Die zwei Fridas (1946). In den Vereinigten Staaten hingegen sollte man sich das MoMa nicht entgehen lassen, das Werke beherbergt, die für das künstlerische Schaffen von Frida Kahlo von grundlegender Bedeutung sind.

Frida Kahlo. Leben und Werk zwischen naiver Kunst, Surrealismus und Muralismus

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