Edward Hopper: Leben, Werke, die Einsamkeit des American Way of Life

Edward Hopper (Nyack, 1882 - Manhattan, 1967) war einer der wichtigsten Vertreter des amerikanischen Realismus . Hoppers Gemälde sind in Städten und kleinen Dörfern unweit von New York angesiedelt, und die Menschen, die sie bevölkern, sind zwar nah, aber geistig weit entfernt. Die Atmosphäre, die Hopper auf seinen Gemälden darstellt, vermittelt eine trügerische Heiterkeit, denn die Menschen, die er in den neuen städtischen Räumen zeigt, sind wie entfremdet, verloren in ihrer eigenen Welt, fast unwirklich.

Die ersten Jahre seiner künstlerischen Laufbahn gehören nicht zu den besten. Hopper konnte es sich nicht leisten, sich ausschließlich der Malerei zu widmen, und musste daher lange Zeit für eine Werbeagentur arbeiten, was für den Künstler, der sich nicht frei fühlen konnte, um seine Kunst auszudrücken, sehr frustrierend war. Mitte der 1920er Jahre änderten sich die Dinge jedoch: Viele Kritiker begannen seine Kunst zu schätzen und einige Kunstzentren, Museen und Galerien widmeten ihm persönliche Ausstellungen. Beeinflusst von den Impressionisten und fasziniert von Degas, befasste sich Edward Hopper intensiv mit dem Thema Licht. Sein höchst origineller und persönlicher Stil wurde nicht nur von Künstlern und Kunstkritikern, sondern auch von Filmregisseuren wie Alfred Hitchcock bewundert, der sich von vielen seiner Bilder inspirieren ließ.

Das Leben von Edward Hopper

Edward Hopper wurde am 22. Juli 1882 in Nyack, einer Kleinstadt im Bundesstaat New York, geboren. Seine Eltern Garret Henry und Elizabeth Griffiths Smiths, gebildete Amerikaner aus der Mittelschicht, betrieben ein Textilgeschäft. Der junge Hopper verbrachte seine frühe Kindheit damit, Boote auf dem Hudson River und in der Bootswerft von Nyack zu beobachten und zu zeichnen, und zeigte schon früh Interesse am Zeichnen. Als seine Eltern das Talent ihres Sohnes erkannten, schenkten sie ihm Zeitschriften und Bücher über Kunst. Im Jahr 1899 schrieb sich Hopper an der Correspondence School of Illustrating in New York ein. Ein Jahr später wechselte Edward Hopper an die berühmtere New York School of Art, fest entschlossen, seinen eigenen Weg als Künstler zu gehen. An der neuen Schule begann er, Malkurse bei amerikanischen Meistern wie Robert Henri, William Marritt Chase und Kenneth Hayes Miller zu belegen. Alle diese verschiedenen Lehrer waren wichtig für seine künstlerische Ausbildung, aber derjenige, dem sich Hopper am meisten verbunden fühlte, war Robert Henri. Nach Henri, einem realistischen Maler, ist die Malerei nicht vom Leben zu trennen. Nach seinem Abschluss begann Hopper seine Karriere als Illustrator in einer New Yorker Werbeagentur, und mit dem Geld, das er verdiente, beschloss er, nach Paris zu gehen. Im Jahr 1906 kam er in der französischen Hauptstadt an und nahm eine Wohnung in der Rue de Lille in der Nähe des Louvre-Museums. Hier besuchte er keine Schulen, wie es viele Amerikaner taten, sondern machte seine eigenen Erfahrungen mit der Kunst, indem er Museen, Ausstellungen und Cafés besuchte und unter freiem Himmel an der Seine malte. Er war fasziniert von den symbolistischen Dichtern und den Impressionisten; die Gemälde von Paul Cézanne gefielen ihm nicht, aber die Ballerinas von Edgar Degas begeisterten ihn. Nach seiner Reise nach Paris hellt sich Hoppers Farbpalette auf und sein Interesse gilt vor allem dem Licht.

Er kehrt 1908 nach New York zurück und organisiert auf Anregung seines Lehrers Robert Henri eine Ausstellung, an der der Künstler mit drei während seines Aufenthalts in Paris entstandenen Bildern teilnimmt. Im Jahr 1909 reist er erneut nach Paris, wo er zwischen Frühling und Sommer einige Monate verbringt. Diese Reise ist sehr wichtig, denn sie bestätigt die Entscheidung des Malers, eine realistische Kunst zu verfolgen , die sich aus postimpressionistischen Anregungen und einem präzisen Interesse an architektonischen Formen zusammensetzt. 1910 kehrte er zum letzten Mal nach Paris zurück und überquerte den Atlantik nie wieder. Aufgrund finanzieller Probleme musste Hopper seine 1906 begonnene und erst 1924 beendete Tätigkeit als Werbeillustrator beibehalten. Es war sehr frustrierend für den Künstler, dass er sein künstlerisches Gespür nicht frei ausleben konnte, um Bilder zu schaffen, die auf dem Markt funktionieren würden. Viele Kritiker sind jedoch der Meinung, dass sich auch in seinen Illustrationen Methoden und Motive finden, die seinen Gemälden nicht unähnlich sind. Wichtig war der Sommer 1912, den er in Begleitung des Malers Leon Kroll in Gloucester verbrachte, einem malerischen Dorf in der Nähe von Neuengland, wo sich viele amerikanische Künstler trafen. Hier begann Hopper, amerikanische Themen zu wählen und einige europäische Motive aufzugeben.

1913 war das Jahr derArmory Show, der ersten Ausstellung, die dem amerikanischen Publikum die europäische Avantgarde-Malerei näher brachte. Auch Hopper beteiligte sich an dieser Ausstellung mit einem Gemälde, das später verkauft wurde. 1920 organisierte das wichtigste Zentrum für zeitgenössische Kunst in New York, der Whitney Studio Club, die erste Einzelausstellung von Edward Hopper. Sechzehn Gemälde werden dort ausgestellt, doch der Künstler verkauft keine Bilder und erhält auch keine Kritik. Der erste monografische Artikel, der Hopper gewidmet ist, stammt aus dem Jahr 1922. Im selben Jahr traf er Josephine Verstille Nivison, eine Schülerin von Robert Henri, die er einige Jahre zuvor kennengelernt hatte und die zum Modell für alle seine Werke wurde. Er verbringt den Sommer mit Josephine in Gloucester und nimmt, angeregt durch sie, die Aquarellmalerei wieder auf, nachdem er sich eine kurze Zeit lang der Gravur gewidmet hatte. Er nimmt an einer Ausstellung im Brooklyn Museum teil, und nachdem die Institution eines seiner Gemälde gekauft hat, werden Ausstellungen und Rezensionen seiner Werke für den Künstler immer wichtiger. 1924 war ein sehr wichtiges Jahr für Hopper, als er seine Lebensgefährtin Josephine heiratete und einige seiner Aquarelle in der Galerie Rehn ausstellte: Die Ausstellung markierte die endgültige Etablierung des Künstlers auch in kommerzieller Hinsicht. Er und seine Frau verbringen die Sommermonate auf Cape Cod, wo er sich zu vielen seiner berühmten Werke inspirieren lässt. In dieser Zeit entwickelt Hopper den Bildstil, der seine Werke prägen sollte: die ersten Ansichten von Häusern in Neuengland, die Innenräume von Zimmern, die starken Hell-Dunkel-Kontraste. Spätere Ausstellungen und zahlreiche positive Kritiken machten ihn im ganzen Land und in Europa bekannt. Darüber hinaus wurde der Künstler als einer der emblematischsten Interpreten des amerikanischen Realismus anerkannt. Edward Hopper starb 1967 in seinem Atelierhaus in New York.

Edward Hoppers Hauptwerke und Stil

In Edward Hoppers frühesten Jugendwerken lassen sich bestimmte Themen erkennen, die er später in den 1930er und 1940er Jahren weiter ausbaute, wie der malerische Realismus, die Vereinfachung von architektonischen Motiven und Flächen sowie die eher flachen Farben seiner Palette. Die auf der Leinwand festgehaltenen Szenen spiegeln die Einsamkeit und das Gefühl der Isolation wider - Themen, die in seinem Werk ständig präsent sind. Zu den frühesten Werken Edward Hoppers, die sich an seinem Meister Robert Henri orientieren, gehört der ins Bett kletternde Akt (1903-1905).

Bereits in diesem Gemälde wird das Thema der einsamen Figur verschleiert, obwohl das Interesse des Malers eher auf die malerische Darstellung gerichtet war. Zu diesem Zeitpunkt war Hopper noch nicht in Paris, und die Farbpalette ist im Vergleich zu dem leuchtenden Werk Le bistro (1909) viel dunkler. In letzterem erinnern im Vordergrund links ein Mann und eine Frau, die an einem kleinen Tisch sitzen, unweigerlich an Edgar Degas’ WerkAbsinthe . Der Rest der Leinwand ist durch klare Überlagerungen und architektonische Anordnungen aufgebaut. Nach seiner Reise nach Paris im Jahr 1909 wendet sich Hoppers Interesse dem Thema Licht zu, der Leichtigkeit seiner Gemälde, in denen er eine gewisse Anlehnung an den Impressionismus zeigt. Im Sommer 1914 schuf Hopper das Gemälde Soir Bleau: Die Leinwand lässt vermuten, dass es während der französischen Periode gemalt wurde, aber das Gegenteil ist der Fall. In der Mitte des Bildes ist ein Pierrot abgebildet, daneben eine stark geschminkte Frau, ein elegant gekleidetes Paar und ein Mann, der allein an einem Tisch sitzt: jeder von ihnen scheint ein Theaterstück zu interpretieren.

Der ganze Ort ist von einer unheimlichen Ruhe durchdrungen. Was alle Figuren gemeinsam haben, sind Langeweile und Einsamkeit. Zwischen 1916 und 1919 verbrachte Hopper den Sommer in Maine und malte in dieser Zeit hauptsächlich Landschaften, Brücken und Häuser. Das Werk Small Town Station stellt einen Bahnhof in einer Kleinstadt in Maine dar. Die Leinwand nimmt einige Elemente des berühmteren House by the Railroad (1925) vorweg, in dem ein mächtiges, isoliertes Haus neben einer Eisenbahn steht. Die Eisenbahn, die das Haus fast unzugänglich macht, ist heute fast ein Relikt der Vergangenheit und könnte das Eindringen der Zivilisation und der Industrialisierung in die Natur symbolisieren. Interessant ist auch, dass die Gemälde Hoppers einen großen Einfluss auf das Kino hatten. Ein Beispiel dafür ist der Film Psycho des berühmten Regisseurs Alfred Hitchcock, in dem das Haus, in dem die Morde stattfinden, dem von Hopper nicht unähnlich ist.

1926 malte er das Gemälde Eleven in the Morning, in dem das natürliche Licht von draußen die nackte Frau beleuchtet, die auf einem Sessel vor dem Fenster sitzt. Das Werk hebt zwei Elemente hervor, die für Hoppers künstlerische Produktion charakteristisch sind: zum einen den weiblichen Akt, der in seinen Gemälden häufig vorkommt, und zum anderen die Trostlosigkeit, die diese Figuren durchdringt. Interessanterweise deutet das offene Fenster auf einen Dialog zwischen Innen und Außen hin, den der Künstler in all seinen Gemälden suchte. Selbst in Windows at Night (1928) stellt der flatternde Vorhang eine Verbindung zwischen Innen- und Außenraum her. Hier bewegt sich Hoppers Komposition über drei Fenster, von denen das mittlere dem geschwungenen Verlauf des Gebäudes folgt. Durch das zentrale Fenster blickt man auf die Figur einer Frau, die von hinten gefangen wird. Man kann sich vorstellen, dass sich der Maler in einem anderen, ebenso intimen Innenraum befand, als er dieses Werk schuf. Nach diesem Prinzip arbeitete auch der Regisseur Alfred Hitchcock in seinem Film Rear Window (Das Fenster zum Hof) von 1954, in dem ein Mann, der gezwungen ist, zu Hause zu bleiben, Zeuge eines Mordes wird, der sich im gegenüberliegenden Haus ereignet, aber auch Zuschauer der alltäglichen Lebensumstände der dort lebenden Menschen ist.

Early Sunday Morning (1930) ist eines der berühmtesten Werke des amerikanischen Malers. Hoppers Ölgemälde hat einen horizontalen Verlauf, der auch durch das Format der Leinwand hervorgehoben wird. Die Geschäfte unterscheiden sich durch ihre Vorhänge und Details, ebenso wie die Fenster. Die frühmorgens gemalte Straße strahlt eine gewisse Ruhe aus, die auch durch das Sonnenlicht, das die Gebäude und die Straße beleuchtet, unterstrichen wird. Es ist wichtig zu erwähnen, dass die menschliche Figur hier fehlt: Ursprünglich wollte Hopper eine Figur auf einem der Fenster oben platzieren, aber schließlich entschied er sich, die Architektur zu betonen, eine große Leidenschaft des Malers. Die Neutralität war eine weitere künstlerische Tugend des Malers. In Hotelzimmer (1931) sitzt eine Frau auf ihrem Bett und liest. Die Figur könnte als einsame Reisende, als verlassene Geliebte oder als Frau, die auf jemanden wartet, interpretiert werden.

Eines von Hoppers Hauptthemen waren die einsamen Figuren, die Protagonisten seiner Gemälde. Bei vielen dieser Figuren handelt es sich um Frauen, die in einen offenen Raum blicken oder mit ihrer Lektüre beschäftigt sind, wie in Abteil C, Wagen 293, (1938): Eine Frau sitzt im Zugabteil und liest geistesabwesend eine Zeitschrift, ohne sich darum zu kümmern, wer sie beobachtet. Die Beispiele ließen sich noch weiter fortsetzen, aber interessant ist, dass all diese einsamen Figuren nicht in der Lage zu sein scheinen, miteinander zu kommunizieren, selbst wenn sich mehrere Personen auf einem Bild befinden.

1940 malte Hopper das berühmte Gemälde mit dem Titel Gasoline. Hopper erzählte dem Kunstkritiker Lloyd Goodrich, dass er lange nach einer Tankstelle wie der, die ihm vorschwebte, suchte, aber keine fand und sich von den vielen Tankstellen, die er gesehen hatte, inspirieren ließ. Das Thema ist dasselbe wie bei den anderen Werken: eine einsame Figur, die Natur und die Zeichen der Zivilisation. Die roten Zapfsäulen und das Tankstellenschild scheinen von der Natur bedroht zu sein, die den ihr entzogenen Raum für sich beansprucht.

Eines von Hoppers ikonischsten Gemälden ist Nottambuli (1942). Die Szene spielt in einem Spätrestaurant an der Kreuzung von Greenwich Village in Manhattan. Die Bedeutung des Werks ist nicht eindeutig und kann daher auf verschiedene Weise interpretiert werden. Hopper stellt die Faszination der Nacht dar, die durch das künstliche Licht des Restaurants erhellt wird. Durch das große Fenster kann man die Personen im Inneren sehen: den Barmann, der die letzten drei Gäste bedient, ein scheinbar stummes Paar und einen einsamen Mann, den man von hinten sieht. Auch in diesem Werk kehrt das typische Thema des Künstlers wieder: Es gibt keinerlei Interaktion, die Atmosphäre ist nicht die heiterste, und im gesamten Raum, sowohl in der Bar als auch draußen, herrscht eine grabesähnliche Stille. In den Gemälden aus den 1940er bis 1950er Jahren taucht der Kern seiner Forschungen wieder auf, den er in Paris entdeckt und in Amerika vervollkommnet hat: das Thema des Lichts. Emblematisch sind auch die Titel seiner Werke wie: Morning Sun (1952) und A Woman in the Sun (1961), um nur die bekanntesten zu nennen. Auf der ersten Leinwand kann man sehr gut die genaue Studie des Künstlers über jeden Effekt des Lichts, die akribische Analyse dieses besonderen Phänomens erkennen. Diese genaue Studie wird auch durch einige Skizzen von Zeichnungen bezeugt, die heute im Whitney Museum aufbewahrt werden. Auf der zweiten Leinwand, A Woman in the Sun (1961), steht die weibliche Figur nackt mit einer Zigarette in der Hand, und ihr Körper liegt innerhalb eines Rechtecks aus Licht. Interessant ist auch der widersprüchliche Eindruck, den die Frau erweckt: Einerseits deuten ihre Haltung und Pose auf Sicherheit und Ruhe hin, andererseits ist sie durch ihre Nacktheit, die dem Sonnenlicht völlig ausgesetzt ist, sehr verletzlich. Alle Gemälde von Edward Hopper sind von Stille, Einsamkeit, heiteren und zugleich beunruhigenden Innenräumen geprägt. Hopper war einer der Künstler, die den "American Way of Life " am besten verkörperten, aber nicht den von Wolkenkratzern und Konserven, sondern den von der Wirtschaftskrise der 1930er Jahre geprägten.

Wo sind die Werke von Edward Hopper zu sehen?

Die Werke von Edward Hopper sind hauptsächlich in den Vereinigten Staaten zu finden. Ausgangspunkt ist New York, insbesondere der Stadtteil Greenwich Village, wo man das Haus-Atelier besichtigen kann, in dem der Künstler den größten Teil seines Lebens verbrachte. Das Whitney Museum of American Art, das zu den ersten Museen gehörte, die Werke des berühmten Künstlers erwarben, sollte man sich nicht entgehen lassen, wenn man im Big Apple bleibt. Etwas weiter nördlich vom Whitney Museum befindet sich das MoMa, das unübersehbare Meisterwerke von Hopper beherbergt und daher nicht zu übersehen ist.

Die letzte und unumgängliche Station ist Boston, das Museum of Fine Art, in dem einige der schönsten Meisterwerke des Malers zu sehen sind. Andere Museen, die einige Gemälde beherbergen, sind: Manchester City Art Gallery, Tate Modern in London, Art Gallery of Ontario (Toronto), Neue Nationalgalerie (Berlin), National Gallery of Canada (Ottawa) und schließlich The Edward Hopper Foundation (London), ein dem großen amerikanischen Künstler gewidmetes Archiv.

Edward Hopper: Leben, Werke, die Einsamkeit des American Way of Life

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