Edvard Munch, Leben und Werk des skandinavischen Genies

Edvard Munch (Løten, 1863 - Oslo, 1944) war einer der bedeutendsten Künstler des 19. und 20. Jahrhunderts, denn er markierte zusammen mit anderen Malern seiner Zeit einen Wendepunkt in der Kunstgeschichte. Wann immer wir seinen Namen in einem Buch oder einer Ausstellung lesen, wird er von zwei anderen Künstlern flankiert: Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903) und Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890). Man könnte meinen, dass diese drei Meister in erster Linie durch ihren mangelnden Erfolg zu Lebzeiten und ihren posthumen Ruhm miteinander verbunden sind, aber das ist ein Irrtum. Es ist zwar weit verbreitet, Edvard Munchs düstere Werke und seine traurige biografische Geschichte mit mangelnder Popularität zu Lebzeiten in Verbindung zu bringen, aber der Norweger hatte in der zweiten Hälfte seiner Karriere großen Erfolg. Was die drei Künstler in Wirklichkeit gemeinsam haben, ist die subjektive Aufladung ihrer Werke, die über die wissenschaftliche und objektive Untersuchung der Realität durch die zeitgenössischen Strömungen der Impressionisten und Pointillisten hinausgeht. Es ist kein Zufall, dass Munch, Gauguin und Van Gogh als Vorläufer desExpressionismus gelten, jener künstlerischen Strömung, die darauf abzielt, die emotionale Seite der uns umgebenden Realität hervorzuheben.

Munchs größte Meisterwerke sind das Ergebnis eines gequälten und schmerzhaften Lebens, das von familiären Verlusten, Misserfolgen, Alkoholismus, Neurosen und Einsamkeit geprägt war. Wie wir später sehen werden, war Munchs Leben voller Höhen und Tiefen, die es dem Künstler nicht erlaubten, die geistige und emotionale Stabilität zu erreichen, die ihm seine wirtschaftliche und soziale Lage ermöglicht hätte. Trotz seines gequälten und einsamen Lebens hatte Munch großen Erfolg bei der Kritik und der europäischen Öffentlichkeit, so dass viele Künstler, wie zum Beispiel die Avantgardisten der Brücke und die Fauves, ihn als Vater und Meister ihrer Kunst anerkannten. Der Versuch, die Kunst des norwegischen Genies mit einem Etikett zu versehen, ist jedoch aufgrund ihrer Einzigartigkeit und auch deshalb unmöglich, weil Munch selbst sich weigerte, mit irgendeiner Künstlergruppe in Verbindung gebracht zu werden.

Das Leben von Edvard Munch

Edvard Munch wurde am 12. Dezember 1863 in Løten, einer kleinen norwegischen Stadt in der Nähe von Christiania (dem ursprünglichen Namen der norwegischen Hauptstadt Oslo), als zweites von fünf Kindern von Christian und Laura Catherine Bjolstad geboren. 1864 zog die Familie nach Christiania, wo der Maler die Möglichkeit hatte, mit einer breiteren Kulturlandschaft als in seiner kleinen Heimatstadt in Kontakt zu kommen. Leider war Edvards Kindheit von verschiedenen Verlusten geprägt, angefangen mit dem Tod seiner Mutter im Jahr 1868 und dem Tod seiner älteren Schwester Johanne Sophie im Jahr 1877, die beide an Tuberkulose starben. Der frühe Verlust der Mutter führte bei Edvards Vater zu einem psychischen Zusammenbruch, der ihn von seinen Kindern entfremdete. Das Verhältnis des jungen Munch zu seinem Vater, der von einer Karriere als Ingenieur träumte, dem Edvard aber eine künstlerische Laufbahn vorzog, wurde dadurch so stark beeinträchtigt, dass er begann, Kurse an der Königlichen Zeichenschule zu besuchen.

1882 mietete Edvard Munch mit anderen Malern ein gemeinsames Atelier und vertraute seine Ausbildung zwei bedeutenden Malern an: dem Naturforscher Christian Krihg und dem Impressionisten Frits Thaulow. Die Werke des letzteren inspirierten einige der Gemälde, die 1883 auf dem Salon der dekorativen Künste in Christiania ausgestellt wurden, der ersten Ausstellung, an der der junge norwegische Maler teilnahm.

Im Jahr 1885 zog Edvard Munch nach Paris, wo er zum ersten Mal die Werke des Philosophen Søren Kierkegaard las. Kierkegaard stellte verschiedene Theorien über das Leben auf, darunter das “ästhetische Leben”, das auf der Verbindung von Kunst und Leben beruhte, die Munch in einem persönlichen Schlüssel als Kunst und Schmerz neu interpretierte. Diese Zeit in Paris war in mehrfacher Hinsicht von grundlegender Bedeutung: 1889 organisierte Munch seine erste Einzelausstellung , die zwar ein Misserfolg war, aber ihm ein Stipendium ermöglichte, in der Hauptstadt zu bleiben und zu leben. Der Aufenthalt in Frankreich bot ihm auch die Gelegenheit, sich durch eine Reihe von Ausstellungen bekannt zu machen, aber vor allem mit den Werken zahlreicher Künstler in Kontakt zu kommen, insbesondere mit denen von Vincent Van Gogh und Paul Gauguin, was ihn dazu veranlasste, nach einem persönlichen Stil zu suchen, der ihn auszeichnen würde. Diese Jahre waren jedoch auch durch den Verlust seines Vaters geprägt, ein Ereignis, das den Künstler bis zum Ende seiner Tage quälte, da er nicht in der Lage war, seine Beziehung zu ihm wiederherzustellen. Gerade diese Situation markiert einen Wendepunkt in seinem Werk, das zwar noch einige Jahre lang ausgestellt wird, sich aber in der Kunstszene nicht durchsetzen kann.

1892 war ein äußerst wichtiges Jahr im Leben und in der Karriere von Edvard Munch. Der norwegische Maler wurde von derBerliner Künstlervereinigung eingeladen, an ihrer Jahresausstellung teilzunehmen. Die Ausstellung dauerte jedoch nur eine Woche, da Munchs Werke von den Behörden als skandalös und obszön eingestuft wurden. Diese Maßnahme löste so viel Unmut aus, dass eine Gruppe von Künstlern unter der Leitung des Künstlers Max Liebermann 1898 beschloss, sich von der Berliner Künstlervereinigung abzuspalten und die berühmte Berliner Sezession zu gründen.

Die Zensur bedeutete jedoch keinen Rückschlag für Edvard Munchs Karriere. Der Künstler verstand die Bedeutung dieser Episode und beschloss, sich in Berlin niederzulassen. In der deutschen Hauptstadt wurde der Norweger aufgrund des einzigartigen Charakters seiner Werke als großer Maler anerkannt, der in ganz Europa und sogar in den Vereinigten Staaten ausstellen konnte. 1893 war eines der wichtigsten Jahre seiner Karriere, denn hier entstanden einige seiner größten Meisterwerke wie DerSchrei(lesen Sie hier einen kurzen literarischen und philosophischen Hintergrund zu dem Gemälde), das sich durch phosphoreszierende, leuchtende Farbtöne und makabre, verstörende Motive auszeichnet. Während einer Ausstellung beschloss Munch, sechs Werke zu einer Serie mit dem Titel Liebe zusammenzufassen, die den ursprünglichen Kern des Lebensfrieses bildete: ein einheitlicher Gemäldezyklus, der in den folgenden Jahren bis zu seiner endgültigen Form im Jahr 1902 erweitert wurde. Obwohl Munch 1893 den Höhepunkt seiner Karriere erreichte, endete seine schwierige Beziehung mit seiner Verlobten Tulla Larsen tragisch. Im selben Jahr begann er, sich dem grafischen und fotografischen Werk zu widmen, das großen Erfolg hatte.

In den folgenden Jahren unternahm Munch zahlreiche Reisen und wurde so berühmt, dass ihm verschiedene Künstlergruppen anboten, sich ihnen anzuschließen. Edvard lehnte die Einladungen jedoch stets ab und zog es vor, allein zu leben, wobei er in einen labilen und verzweifelten Geisteszustand verfiel, der durch Alkoholmissbrauch noch verschlimmert wurde. Trotz der schrecklichen Situation erkannte der Künstler selbst, dass es nicht mehr möglich war, in diesem Zustand weiterzuleben, und beschloss, sich in eine Klinik zu begeben, wenn auch mit der Möglichkeit, weiter zu malen. Nach seinem Krankenhausaufenthalt gelang es Edvard, ein gesünderes Leben zu führen, aber immer noch in Einsamkeit. Tatsächlich beschloss der Maler, sich fast vollständig von der übrigen Gesellschaft zu isolieren. Die letzten Jahre seines Lebens waren von dem Versuch geprägt, die Anerkennung seines Heimatlandes zu gewinnen, das ihn immer ignoriert hatte, indem er öffentliche Aufträge annahm und die meisten seiner Werke dem Bürgermeister von Oslo vermachte. Kurz nachdem er sich mit dem Bürgermeister geeinigt hatte, starb Edvard Munch 1944 an einer Bronchopneumonie.

Die Werke, der Stil, die Qualen von Edvard Munch

Die Werke aus Edvard Munchs früher Schaffensperiode unterscheiden sich stark von denen seiner Reifezeit: Die Farben sind gedämpft und kontrolliert, die Figuren sind ruhig und entspannt und stehen noch unter dem Einfluss der Kunst von Edvard Degas, der für ihn in den ersten Jahren seiner Karriere ein wichtiger Künstler war. Ein Wendepunkt ist in dem Werk Das kranke Kind (1885-1886) deutlich spürbar. Dieses Gemälde wurde erstmals unter dem Titel Atelier ausgestellt und löste aufgrund des unfertigen und unvollendeten Bildmaterials eine heftige Kontroverse unter den Kritikern aus. Das Werk spiegelt ein persönliches Ereignis wider, nämlich den Tod ihrer Schwester, die auf dem Sterbebett neben ihrer Tante Karen abgebildet zu sein scheint, die sich damals nach dem Tod der Mutter um die Kinder kümmerte. Obwohl das Gemälde erst aus dem Jahr 1885 stammt, scheint sich Munchs Pinselführung vom impressionistischen Stil weg und hin zu einer subjektiveren und gefühlsbetonten Malerei entwickelt zu haben.

Wie bereits erwähnt, war das Jahr 1892 ein Wendepunkt in Edvard Munchs künstlerischer Laufbahn. Dies zeigt sich in einer Reihe von Werken aus diesen Jahren, wie z. B. Melancholie. Das Werk zeigt eine Meereslandschaft bei Sonnenuntergang mit einem Pier im Hintergrund, auf dem einige Figuren und ein Boot mitten im Meer zu sehen sind. Im unteren Teil der Leinwand ist rechts ein Mann zu sehen, der als Munch identifiziert werden kann und der sein Ohr auf die linke Hand stützt: die typische Pose der Melancholie. Das Gemälde ist inspiriert von der enttäuschten Liebe eines Freundes zu einem Maler, den er liebte. Aus dieser schmerzlichen Erfahrung schöpft der norwegische Meister die Inspiration für ein Werk, das die Ängste und den Schmerz darstellt, die jeder Mensch mindestens einmal in seinem Leben erlebt. Außerdem kann man sehen, wie die Töne verdunkelt werden und das Gefühl der Melancholie durch breite, eilige Farbfelder vermittelt wird.

Die gleiche Technik ist in einem anderen Werk aus demselben Jahr zu sehen: Abend in der Karl-Johannes-Allee. Das Gemälde zeigt das typische bürgerliche Ritual eines Abendspaziergangs in der Stadt Christiania. Munch hält sich nicht mit der Darstellung der anatomischen Details der einzelnen Passanten auf, sondern stellt sie als einen einzigen Block von blindäugigen Automaten dar, die in dieselbe Richtung gehen. Der Einzige, der sich von dieser unförmigen Masse abhebt, ist ein Mann mit Zylinder, der in die entgegengesetzte Richtung die Straße hinunterläuft: das ist Munch selbst, der sich immer an den Rand gedrängt und von der Gesellschaft entfernt fühlte.

Im Laufe der Jahre wurden die Werke des norwegischen Künstlers immer einfacher und die Farben immer heller und kräftiger, um die Leinwand zu erhellen und die Gefühle des Malers zum Zeitpunkt der Ausführung zu suggerieren. Es sind starke und erschreckende Emotionen: Eifersucht, Angst, Melancholie, Verzweiflung und Libido, die zahlreichen Werken zugrunde liegen, die mit symbolischen Bedeutungen aufgeladen sind und auf persönliche Gefühle und Ereignisse anspielen. Ab 1893 beschloss Munch, mehrere Gemälde zu einer einzigen organischen Sammlung zusammenzufassen, die den Namen Fries des Lebens erhielt, eine Erzählung seines geistigen und emotionalen Lebens. Ursprünglich bestand der Fries aus fünf Gemälden mit dem Titel Liebe. Später fügte Munch weitere Werke zu dieser Sammlung hinzu, bis die fünfte Berliner Secession zweiundzwanzig Gemälde umfasste . Für die Ausstellung gliederte Munch den Fries des Lebens in vier Abschnitte: Die Saat der Liebe, Entwicklung und Auflösung der Liebe, Angst und Tod.

Unter den Werken des Lebensfrieses befindet sich das berühmteste Gemälde aus dem Gesamtwerk Edvard Munchs: DerSchrei. Das weltberühmte Werk ist einmal mehr die malerische Umsetzung eines Erlebnisses des Künstlers, von dem ein schriftliches Zeugnis zu lesen ist: “Ich blieb stehen und blickte über den Fjord, die Sonne ging unter, die Wolken waren blutrot gefärbt. Ich hörte, wie ein Schrei durch die Natur ging: Ich konnte ihn fast hören. Ich malte dieses Bild, ich malte die Wolken wie echtes Blut. Die Farben schrien. Daraus wurde Der Schrei”. Das Gemälde zeigt den Ekebergfjord, ein Ziel für Sonntagsspaziergänge und eine typische Postkartenszene. Einmal mehr bricht Munch mit der Tradition und verwandelt einen vertrauten Ort in eine irdische Hölle: Der Himmel ist blutrot gefärbt, und der Mann im Vordergrund, weit entfernt von den beiden anderen Figuren auf der linken Seite, wehrt sich mit einem schmerzhaften und furchterregenden Schrei gegen die Entstellung der Natur um ihn herum. Das Werk kann nicht anders, als Angst und ein Gefühl der Beunruhigung in der Seele des Betrachters zu erzeugen, der wie versteinert vor dem Schrei des Autors verharrt, der eine soziale Angst anprangert, die ihn sein ganzes Leben lang begleitet hat.

Ein immer wiederkehrendes Thema des Frieses des Lebens ist die Frau, die in Munchs Fantasie stets eine unheimliche und zweideutige Rolle spielte. Zu seinen berühmtesten Werken gehören Der Vampir (1893-94) und Madonna (1894), die zwei unterschiedliche persönliche Visionen der weiblichen Figur darstellen. Ursprünglich nannte Munch das Gemälde Der Vampir Liebe und Schmerz, und der Künstler selbst erklärte, es sei “nur eine Frau, die einen Mann auf den Hals küsst”. Erst später benannte sein Freund und Biograf Stanislaw Przybyszewski das Werk in seinen heutigen Titel um, in Anspielung auf die dämonische und unterwürfige Vision der Frau gegenüber dem Mann. In der Tat opfert der Mann auf dem Gemälde sein eigenes Leben, indem er sich dem tödlichen Kuss hingibt, weil er nach Liebe dürstet, die nur die weibliche Figur stillen kann. Das zweite Gemälde ist sicherlich eines der skandalösesten in der gesamten Kunstgeschichte. Munch stellt nämlich eine Madonna dar, die alles andere als eine Jungfrau ist und weit von der klassischen Darstellung dieses Themas entfernt ist. Die Frau ist in einer sinnlichen und aufreizenden Pose dargestellt. Der Künstler schuf fünf Versionen des Werks, darunter diejenige, bei der der Rahmen mit Spermien verziert ist, während unten links die Figur eines abgetriebenen Fötus erscheint, der an das Geheimnis der Geburt und das Dogma der Jungfräulichkeit erinnert. Das Werk erregt großes Aufsehen und stößt bei der damaligen Öffentlichkeit auf harsche Kritik.

Trotz der Skandale und Spannungen, die Munchs Werk auslöste, war sein Beitrag für den Expressionismus von grundlegender Bedeutung: Wie bereits erwähnt, wurde der Staffelstab seiner Erfahrungen später von der Berliner Sezession aufgegriffen. Vor allem sind die Namen Lovis Corinth, Max Liebermann und Käthe Kollwitz zu nennen, die sich mit Überzeugung mit Munch auseinandersetzten und in einigen Fällen sogar einen Skandal auslösten, wie es ihr Vorgänger getan hatte.

Wo man die Werke von Edvard Munch sehen kann

Um die Werke von Edvard Munch zu sehen, muss man eine Reise nach Norwegen planen, wo fast alle seine Werke gesammelt sind. Die meisten von ihnen sind im Munchmuseet in Oslo ausgestellt. Auch die Nasjonalgalleriet in Oslo, die erste öffentliche Einrichtung, die Munchs Werke erwarb, hat ihm einen ganzen Saal gewidmet, in dem die berühmteste Version von DerSchrei zu sehen ist. Elf von Munchs Ölgemälden schließlich, die das Ergebnis eines von dem Maler gewonnenen Wettbewerbs sind, werden in der Großen Aula der Universität Oslo aufbewahrt. Einige Werke sind jedoch auch außerhalb der norwegischen Grenzen zu bewundern: So befindet sich eine der Versionen des berühmten Werks Das kranke Kind in der Tate Modern in London.

Edvard Munch, Leben und Werk des skandinavischen Genies

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