Der Postimpressionismus: die Taufe der zeitgenössischen Kunst. Entwicklungen, Themen und Stile

Der Postimpressionismus bezeichnet die künstlerischen Strömungen, die sich in Frankreich - mit bedeutenden Einflüssen auch im übrigen Europa - etwa zwischen 1880 und dem Beginn des 20. Jahrhunderts entwickelt haben und die auf die Erfahrung des Impressionismus folgten und ihn zugleich übertrafen. Während die letzte offizielle Ausstellung der Impressionisten im Jahr 1886 stattfand, erschienen die Aktivitäten der Künstler, deren Werke in das neue Jahrhundert führten, in nicht ganz chronologischer Folge. Die meisten der so genannten postimpressionistischen Künstler schlossen sich zunächst der impressionistischen Bewegung an, wandten sich aber später einem autonomen und allmählich anspruchsvolleren und subjektiveren Stil zu. Der aus dem Englischen stammende Begriff bezeichnet üblicherweise keine organisierte Gruppe mit einem programmatischen Manifest, sondern vielmehr die heterogenen Ausdrucksformen verschiedener Maler, die als Weiterentwicklungen der impressionistischen Entdeckung der Licht- und Farbzerlegung verstanden werden. Es handelte sich um ein künstlerisches Klima, an dem Künstler mit unterschiedlichen Interessen und Temperamenten beteiligt waren, die zu absoluten Namen der Kunstgeschichte wurden, wie Paul Cézanne und Georges Seurat, Paul Gauguin und Vincent van Gogh, deren Orientierungen und Meisterwerke einen weitreichenden ästhetischen Einfluss hatten, der die nachfolgenden Strömungen bestimmte.

Anstelle der nachahmenden Darstellung von Motiven aus dem bürgerlichen Leben und der Natur bevorzugten die Nachimpressionisten jeweils das persönliche Experiment mit autonomen Ergebnissen und unterschiedlichen Richtungen, wobei sie jedoch die Freiheit von der Tradition und dem Diktat der akademischen Kunst schätzten, mit der sie gerade experimentiert hatten, und sich zu den Farben des Impressionismus und der Technik, sie mit kurzen Pinselstrichen zu verwenden, bekannten. So entschlossen sie auch waren, über ihre Vorgänger hinauszugehen, so verfolgte doch jeder Maler seine ganz eigene Suche nach einer neuen Definition der Form und teilte nicht unbedingt die stilistischen Ziele der anderen. Sie stellten bei gemeinsamen Anlässen aus, malten aber hauptsächlich allein in ihren eigenen Ateliers, im Gegensatz zu den Impressionisten, die durch das Malen en plein air enge Beziehungen als Gruppe gepflegt hatten.Die Kunstgeschichtsschreibung hat die verschiedenen postimpressionistischen Stile grob in zwei Strömungen eingeteilt: zum einen in einen strukturierten oder geometrischen Stil, der zum Kubismus führte, und zum anderen in eine nicht geometrische Ausdruckskraft, die zum abstrakten Expressionismus führte.

Roger Fry und die “Erfindung” des Postimpressionismus

Der Begriff Postimpressionismus ist seit dem ersten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts in Gebrauch und wurde von demenglischen Künstler und Kunstkritiker Roger Fry (London, 1866 - 1934) für das Werk von Malern aus dem französischen Raum Ende des 19. Er wurde nach der Entstehung der betreffenden Werke in einem Essay von 1906 eingeführt und wurde dann zum Titel der ersten Ausstellung, die die Ankunft einiger wichtiger Vertreter des Impressionismus in einer neuen künstlerischen Sprache verkündete.

Manet and the Post-Impressionists war die 1910 in den Grafton Galleries in London organisierte Gruppenausstellung, die auch als "dasJahr der Post-Impressionisten" bezeichnet wurde und in der Gemälde von Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906), Georges Seurat (Paris, 1859 - Gravelines, 1891), Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903) und Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), beginnend mit den Werken des Vaters des Impressionismus , Édouard Manet ( Paris, 1832 - 1883), der damals bereits in England bekannt war. An dieser Ausstellung über die zeitgenössische französische Malerei nahmen unter anderem auch Paul Signac, Pablo Picasso, Henri Matisse, Odilon Redon, Maurice Denis und Felix Vallotton teil. Alle diese französischen Maler, abgesehen von dem Niederländer Van Gogh und dem in Paris ansässigen Spanier Picasso, empörten die englische Kunstszene, die in einer Kunst der Nachahmung verankert blieb, im Gegensatz zu der Personalisierung und Abstraktion, zu der sich Frankreich und das übrige Europa hinbewegten.

Manet, der als erster moderner Künstler gilt, nicht nur, weil er Themen seiner Zeit wählte, sondern auch, weil er die traditionellen Darstellungstechniken in Frage stellte, zeichnete zu dieser Zeit die in England unbekannten Namen derer, die als die"vier Evangelisten des Postimpressionismus" definiert wurden, Cézanne, Seurat, Gauguin und Van Gogh, als diese Künstler bereits verschwunden waren. Ihre Gruppenidentität ist also posthum und steht für den Wandel der autonomen Herangehensweise an das Kunstwerk. Ihre gemeinsamen Merkmale waren die Suche nach der Festigkeit des Bildes im Gegensatz zu der schwankenden Malerei der Impressionisten und die Sicherheit und Freiheit der Farbe. Trotz der Kritik, die die Ausstellung und der Kurator auf sich zogen, beschloss Roger Fry, 1912 eine zweite postimpressionistische Ausstellung zu veranstalten, die die internationale Beachtung, die die Protagonisten verdienten, unterstützte und den Horizont mit Werken britischer und russischer Künstler erweiterte. Ein Zeichen für eine echte stilistische Abgrenzung.

Entwicklung der postimpressionistischen Tendenzen

Nach einer Phase des rastlosen Dissenses unter den Impressionisten malte Cézanne isoliert in Aix-en-Provence in Südfrankreich, Paul Gauguin zog sich 1891 ins selbstgewählte Exil nach Tahiti in Französisch-Polynesien zurück, und Van Gogh malte in der Landschaft von Arles und verließ das Nervenzentrum Paris. Seurat war im Alter von 31 Jahren vorzeitig gestorben, und seine stilistische Methode wurde von Paul Signac (Paris, 1863 - 1935) aufgegriffen und verbreitet. Das Bedürfnis nach einem neuen Kontakt mit der authentischen Natur und die Faszination für ferne, weniger industriell entwickelte Kulturen , die der Spiritualität und den kosmischen Urgewalten näher standen als die “künstlichen” urbanen Zentren ihrer europäischen Pendants, schlugen bei den westlichen Intellektuellen als Erbe der frühen Romantik des 19.

Cézanne, der auch als “Meister von Aix” bezeichnet wird, weil er sich in der schönen südfranzösischen Stadt niederließ, gilt als Prüfstein für die künstlerische Qualität und Innovation des späten 19. Jahrhunderts. 1878 gab er die Technik der “Impression” mit flüchtigen Lichteffekten auf und verlieh seinen Sujets eine monumentale Dauerhaftigkeit. Jedes Element der Leinwand wurde aus mehreren Blickwinkeln betrachtet, deren Materialeigenschaften der Künstler nicht als Kopie, sondern als - wie er es nannte - “Harmonie parallel zur Natur” neu kombinierte. Der Maler setzt sich mit der grundlegenden Frage der räumlichen Tiefe auseinander und sucht nach einer Synthese in geometrischen Formen, einem ersten Versuch der Vereinfachung von Gegenständen und Figuren mit dem Schwerpunkt auf der Definition von Volumen, der später den Kubismus von Georges Braque und Picasso in seiner ersten Entwicklungsphase inspiriert. Cézannes Pinselstriche mit getrennten Farben waren für viele wegweisend.

1884 verfolgte Seurat eine ähnliche Absicht wie Cézanne mit Gemälden, in denen er sich auf die Komposition konzentrierte und die Wissenschaft der Farbe vertiefte. Ausgehend von der impressionistischen Praxis der gebrochenen Farbe und der Gegenüberstellung von Komplementärfarben versuchte er, durch optische Formeln mit winzigen Punkten kontrastierender Farben, die er auswählte und nebeneinander platzierte, um sie in einiger Entfernung zu einer dominierenden Farbe zu verschmelzen, Leuchtkraft zu erzielen. Diese sehr theoretische Technik, die als"pointillisme“ (italienisch puntillismo oder pointillism) bezeichnet wird, wurde von zahlreichen zeitgenössischen Malern übernommen und bildete die Grundlage für den als ”Divisionismus“ oder ”Neoimpressionismus" bekannten Malstil.

Auch Gauguin, der bis 1886 bei den Impressionisten ausstellte, wandte sich von ihnen ab, um eine instinktivere Ästhetik zu entwickeln. Er entfernte sich von der mondänen, urbanen Kunstwelt von Paris und zeigte in seinen Lebensentscheidungen und seiner künstlerischen Vision einen zunehmenden Primitivismus". Er ließ sich von der Ikonographie der Stämme inspirieren, entfernte sich von westlichen Konventionen, von mittelalterlichen Glasfenstern und Manuskripten und erforschte das Ausdruckspotenzial von Farbe und Konturlinie, woraus die Technik desCloisonnisme" entstand. Als er bei den Tahitianern lebte, entwickelte er sich allmählich zu immer exotischeren und sinnlicheren Farbharmonien. Gauguin suchte eine direkte Beziehung zur Natur und betrachtete seine Malerei als eine Meditation über den Sinn der menschlichen Existenz. Symbolische und sehr persönliche Bedeutungen waren bei seiner Suche nach Reisen und Entdeckungen besonders wichtig und stellten eine Synthese zwischen formalen Elementen und der Idee oder dem Gefühl dar, das sie vermittelten.

Das Gleiche gilt für Van Gogh, der 1886 rechtzeitig in Paris eintraf, um die letzte Ausstellung der Impressionisten zu besuchen, und sich deren Techniken und Farben schnell aneignete, um seine Gefühle, Erinnerungen und Ideen auszudrücken. In seinen reifen Werken, die heute zu Ikonen der Kunstgeschichte geworden sind, werden die kurzen Pinselstriche des Impressionismus zu geschwungenen, lebhaften Farblinien, die seine Vision der natürlichen Landschaft, der Menschen und seiner selbst beschreiben. Seine Beziehung zu Gauguin war von großer Bedeutung. Bevor Gauguin nach Tahiti aufbrach, lebten die beiden 1888 für einige Monate in Arles, arbeiteten zusammen und beeinflussten sich gegenseitig.

Themen und Stile der großen Maler

Im Postimpressionismus setzten viele Künstler auf lebendige Stile in Komposition, Farbe und symbolischem Gehalt. Die Betonung der Ausdruckskraft führte dazu, dass das Stadtleben nicht mehr das dominierende Thema war. Cézanne widmete sich vor allem Stillleben(Der Küchentisch, 1889-1890), Porträts(Madame Cézanne im gelben Sessel, 1888-1890) und Landschaften (Mont Sainte-Victoire, um 1905), wobei er stets einekompositorische Organisation anstrebte, in der Überzeugung, dass sich die Natur “mit den Begriffen des Zylinders, der Kugel, des Kegels”, d. h. mit den einfachsten geometrischen Komponenten, beschreiben lässt. Um diese Formen zu schaffen, nutzte er Farbflächen und kombinierte Teile von Figuren im Vordergrund mit Elementen des Hintergrunds, der Oberfläche und der Tiefe. In der Tat betrachten viele Kunsthistoriker Die großen Badenden (1900-1906) als sein Meisterwerk, in dem er diese Technik des Aufbaus des Bildes mit Linien und geometrischen Formen durch eine dichte Mischung von Farben, die mit einem Spachtel und nicht mit einem Pinsel aufgetragen werden, anwendet. Die Körper, die Bäume und die Landschaft sind Farbflächen, die eine Szene bilden, die sowohl gleichzeitig als auch nacheinander auf einer Länge von mehr als 2 Metern gelesen werden kann. Der visuelle Effekt der Badenden, die in ihren schwarzen Umrissen klar definiert sind, aber mit den Ästen der Bäume in der Landschaft dahinter verschmelzen, stellt einen visuellen Wandel dar, der die Zukunft der modernistischen Malerei einläutet.

Seurat entwickelte einen wissenschaftlichen Malstil aus Punkten und Zeichen, die jeweils aus einer einzigen Farbe bestehen und sich vor dem Auge des Betrachters geschickt zusammensetzen. Ein Beispiel dafür ist das großformatige Gemälde Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande-Jatte (1884-1886), in dem Seurat die Farbe in dichten Feldern aus winzigen Punkten aufträgt, um die lebendige und vibrierende Erscheinung des natürlichen Lichts zu imitieren, die ebenfalls das Ergebnis der Verschmelzung verschiedener präziser Farben ist. Eines der frühesten Beispiele für die künstlerische Reaktion auf die impressionistische Bewegung. Aus der Nähe betrachtet, wirkt das Gemälde fast abstrakt, ähnlich wie eine Stickerei. Aus angemessener Entfernung betrachtet, tritt es in den Fokus. Seurat positionierte jeden Punkt sorgfältig im Verhältnis zu den umliegenden Punkten, um den gewünschten optischen Effekt zu erzielen. Damit wollte er dem, was er in der Vision der Impressionisten als ungeordnet empfand, Struktur und Rationalität verleihen, auch wenn er sich auf typische Elemente der Impressionisten stützte, wie die Wiedergabe von Licht und Schatten und Themen wie die Freizeitaktivitäten der Pariser Bourgeoisie(Zirkusvorstellung, 1887-1888).

Paul Signac schloss sich in diesen Erkundungen eng an Seurat an(Eingang des Hafens von Marseille, 1911), indem er kleine Punkte zu Quadraten oder Rechtecken aus Farbe vergrößerte.

Mit der Theorie desSynthetismus" entwickelte Gauguin weitere Ideen, die über die frühere Malerei hinausgingen. Nach seinen Prinzipien wurde die endgültige visuelle Form durch eine Synthese aus der äußeren Erscheinung der natürlichen Merkmale und den ästhetischen Überlegungen, die Körper und Natur in ihm auslösten, bestimmt. Gauguin verzichtete auf Schattierungen, Modellierung und Perspektive von einem einzigen Standpunkt aus und verwendete reine Farbe, starke Linien und flache Zweidimensionalität, um eine visuelle emotionale Wirkung hervorzurufen. Auf der Suche nach einer gewissen spirituellen Freiheit und primitiven Offenheit sammelte er in der Bretagne und in Nordfrankreich Erfahrungen mit religiösen Gemeinschaften auf dem Lande und tauchte in verschiedene karibische Landschaften ein. Außerdem bildete er sich in den neuesten französischen Ideen zur Malerei und Farbtheorie weiter, die Werke wie Die Vision nach der Predigt (Jakobs Kampf mit dem Engel) von 1888 inspirierten. Das Gemälde zeigt eine Offenbarungsvision von Jakob im Kampf mit einem Engel, wobei die Menge der Gläubigen, die die Vision erlebt, im Vordergrund steht und der biblische Kampf vor einem roten Hintergrund erscheint, der die religiöse Erregung darstellt. Wie dieses Werk und andere wie Der gelbe Christus von 1889 zeigen, experimentierte der Maler nach und nach mit neuen Farbkonzepten und ebnete damit den Weg für einen neuen Malstil, der als"Symbolismus“ bezeichnet wurde. Eine neue Auffassung von Malerei, die die Beobachtung des Alltäglichen mit einer mystischen Symbolik verbindet und stark von den populären Aspekten der ”primitiven" Künste Afrikas, Asiens und Französisch-Polynesiens beeinflusst ist. Als er in seiner letzten Schaffensperiode begann, Porträts tahitianischer Frauen zu malen(Manao Tupapau. Der Geist der Toten wacht, 1892), offenbarte er seine Fähigkeit, hinter den oberflächlichen Erscheinungen der Wirklichkeit tiefere Bedeutungen anzudeuten. Eine präzise synthetische Malerei, die als symbolische und nicht nur als dokumentarische Reflexion fungiert. Gauguins Abkehr von seiner europäischen Familie, der Gesellschaft, der Pariser Kunst und der urbanen Welt zugunsten eines Lebens an einem anderen Ort wurde zum Modell für die Rolle des mystisch-irrischen Künstlers(Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?, 1897).

Van Gogh verkörperte auch die Ablehnung der impressionistischen optischen Beobachtung zugunsten einer emotional aufgeladenen Darstellung, die das Herz des Betrachters ansprach, indem er einen impulsiven, gestischen Farbauftrag und symbolische Farben verwendete, um subjektive Emotionen auszudrücken. Er gilt sicherlich als einer der begabtesten und emotional gestörten Künstler der Moderne, obwohl er zu Lebzeiten stark unterschätzt wurde.

Das erste neu bewertete Meisterwerk Die Kartoffelesser aus dem Jahr 1885 stellte bereits zum Zeitpunkt seiner Entstehung einen Ausreißer dar, da es in einer düsteren Farbpalette gehalten war und die elenden Lebensbedingungen von Bauern darstellte, während die Impressionisten mit ihren hellen Farben und Szenen bürgerlichen Wohlstands die Pariser Avantgarde über ein Jahrzehnt lang dominiert hatten. Van Gogh hingegen wandte sich gesättigten Farben und breiten Pinselstrichen zu, die von innerem Aufruhr zeugen, beeinflusst von einer Vielzahl von Quellen, nicht zuletzt von seiner Leidenschaft für stilisierte Darstellungen japanischer Ukiyo-e-Drucke.

Indem er so unterschiedliche Einflüsse wie die lockere Pinselführung der Impressionisten und die starken Konturen der japanischen Holzschnitte kombinierte, gelangte Van Gogh in seinen Gemälden zu einer wahrhaft einzigartigen Ausdrucksweise. Mit der Technik des Impasto, der Schichtung von nasser Farbe, strukturierte er eine Oberfläche im Sinne von Tiefe und emotionaler Kraft. In seinem Werk fallen auch dunkle, dicke Umrisse und flache Farbstreifen auf. Er bleibt der dunklen Tonmalerei treu, bis er in Paris Seurat und Signac kennenlernt, die ihn in die Lehre der Komplementärkontraste einführen.

Er interpretiert mit einer erkennbaren persönlichen Note einige traditionelle Gattungen neu, wie die Blumenmalerei, von der die Sonnenblumenserie berühmt ist, das Selbstporträt, von dem er viele schuf, und das Porträt(Porträt von Joseph Roulin, 1888) und nicht zuletzt die Landschaft(Weizenfeld mit Krähen, 1890), in der Linien und Reliefstrukturen eine grundlegende Rolle spielen(Sternennacht, 1889). In seinen mehr als zweitausend Werken drückt er eine persönliche Vision der Natur aus, die fast immer menschliche Eingriffe und Anwesenheit impliziert. Häuser, Dörfer und Felder, in denen die Arbeit des Menschen sichtbar wurde, dessen Würde als Arbeiter auf allen Ebenen er bildlich wiederzugeben verstand. Von Bauern(Sämann bei Sonnenuntergang, 1888) bis hin zu Prostituierten, die sich selbst darstellen und Figuren in ihren Handlungen und ihrer Rolle in der Gesellschaft porträtieren, selbst wenn sie nur Gäste eines Nachtcafés sind(Caféterrasse am Abend, Place du Forum in Arles, 1888). Van Goghs labiles und launisches Temperament, das ihn dazu brachte, Kunst und Leben bis zum Äußersten miteinander zu verbinden(Selbstbildnis mit bandagiertem Ohr, 1889), wurde zum Symbol für das Bild des gequälten Künstlers. Seine Geschichte eines missverstandenen Talents war ein Vorbild für viele Künstler des 20.

Der Postimpressionismus: die Taufe der zeitgenössischen Kunst. Entwicklungen, Themen und Stile

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