Der Kubismus, die Revolution der Form: Ursprünge, Entwicklung und wichtigste Künstler

Der Kubismus war eine entscheidende avantgardistische Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts, die um 1907 in Paris entstand und sich in den 1910er und 1920er Jahren entwickelte. Die erste Bestätigung des kubistischen Stils fällt mit der Ausführung des Gemäldes Les demoiselles d’Avignon des spanischen Künstlers Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973) zusammen, das als ein Hauptwerk der zeitgenössischen Kunst und als Vorläufer der kubistischen Entwicklungen gilt. Der für die damalige Zeit auffälligste Aspekt war die Technik der durch geometrische Winkel zersplitterten Farbflächen, wobei die Linien der Formen mit dem Hintergrund in Kontinuität stehen, was als Ankündigung dessen diente, was später eine formale Revolution in der Malerei und der Art und Weise, das Bild zu konzipieren, sein sollte.

Der Kubismus folgte einem Bruch mit den bildkünstlerischen Gewohnheiten, der bereits mit den Postimpressionisten und den Fauves zwischen dem Ende des 19. und den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts stattgefunden hatte, war aber insofern absolut revolutionär, als er die seit der Renaissance vorherrschende Idee des “Bildes”, die die Darstellung von Gegenständen und Formen unter einem bestimmten Gesichtspunkt vorsah, zum ersten Mal grundlegend zu untergraben vermochte. Der kubistische Stil überdachte das Konzept der Bildebene, das auf den Forschungen seines Vorgängers Paul Cézanne beruhte, von Grund auf, lehnte die traditionellen Techniken der Perspektive, der Verkürzung oder des Hell-Dunkel-Verhältnisses ab und löste sich vollständig von den etablierten akademischen Theorien und Praktiken der Darstellung nach dem Leben und nach Modellen, um eine neue Bildwirklichkeit zu präsentieren, die durch mehrere Blickwinkel in ein und demselben Werk entsteht.

Die neue künstlerische Sprache wurde in kurzer Zeit durch die rasche und eifrige Frequentierung und das Experimentieren zwischen Pablo Picasso und Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963) eingeführt und entwickelte sich ab 1909 in einer Phase, die als Analytischer Kubismus bezeichnet wurde und der bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 der Synthetische Kubismus folgte. In der ersten Phase werden die Figuren durch ein Gewirr sich kreuzender geometrischer Linien in eine Vielzahl von Bildebenen ohne Bildmittelpunkt aufgelöst, wobei sich Hintergründe und Figuren gegenseitig durchdringen.

In dieser Phase änderte sich radikal die Vorstellung, dass der Mensch und sein einzigartiger Blickwinkel das Maß des Sehens sind. Stattdessen ist die synthetische Phase durch weite geometrische Flächen gekennzeichnet, die klarer abgegrenzt sind und in denen das Werk nach der Überwindung der Frage des Fluchtpunkts einen Sprung in Richtung des konzeptionellen Werts macht, der für die nachfolgende Kunst entscheidend ist: Es wird als Aufforderung nicht nur zum Blick, sondern auch zum Denken verstanden, ohne die der künstlerischen Arbeit eigenen Verfahren zu verraten. Picasso und Braque führten gedruckte Buchstaben, Zahlen, bemaltes Papier und Zeitungsausschnitte in ihre Leinwände ein, so dass die Malerei begann, einer Konstruktion zu ähneln und ein Volumen zu haben, das der Skulptur ähnelte. Von dieser Phase an breitet sich die formale Revolution des Kubismus auf Paris und alle Hauptstädte der internationalen Avantgarde aus. Zu der anfänglichen symbiotischen Partnerschaft der beiden Künstler gesellten sich mit bedeutenden Beiträgen der spanische Maler Juan Gris (Madrid, 1887 - Boulogne-sur-Seine, 1927) und Fernand Léger (Argentan, 1881 - Gif-sur-Yvette, 1955), der an der Fragmentierung der Formen arbeitete. Neben zahlreichen anderen Vertretern wie Jean Metzinger (Nantes, 1883 - Paris, 1956), Robert Delaunay (Paris, 1885 - Montpellier, 1941), Sonia Delaunay (Sonja Terk; Odessa, 1885 - Paris, 1979), Roger de la Fresnaye (Le Mans, 1885 - Grasse, 1925) übte der Kubismus, obwohl er hauptsächlich mit der Malerei in Verbindung gebracht wird, einen tiefgreifenden Einfluss auf die Bildhauerei und die Architektur aus.

Ursprünge, Entwicklung und Phasen des Kubismus

Die treibende Kraft hinter dem “Wendepunkt” des Kubismus war eine posthume Retrospektive des Werks von Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906), der die Kubisten in ihrer frühen Entwicklung zutiefst inspiriert hatte; sie fand im Pariser Salon d’Automne 1907 statt, dem Jahr, in dem Pablo Picasso, der Initiator des Kubismus, das zentrale Werk Les demoiselles d’Avignon schuf. In diesem Werk, das sich heute im Moma - Museum of Modern Art in New York befindet, werden fünf weibliche Akte zu fragmentierten, kantigen Formen, und wie bei Cézanne wird die Perspektive durch die Farbe wiedergegeben, wobei warme rötlich-braune Töne in den Vordergrund treten und kühle blaue in den Hintergrund treten.

Cézanne war bestrebt, eine kompositorische Organisation zu schaffen, die die Natur “in den Begriffen des Zylinders, der Kugel, des Kegels” beschreibt - die einfachsten geometrischen Komponenten. Er verwendet Farbflächen, um diese Formen zu schaffen, und kombiniert Teile der Figuren im Vordergrund mit Elementen des Hintergrunds, der Oberfläche und der Tiefe. Die Großen Badenden (1900-1906) sind sein Meisterwerk, von dem sich Picasso für Les demoiselles inspirieren ließ. Indem er die Figuren verzerrte und ihre Volumen als fragmentierte Flächen mit einer gedämpften Farbpalette wiedergab, führte er einige der wichtigsten Merkmale des späteren Kubismus ein. Der Einfluss Cézannes veranlasste auch Georges Braque, der bis dahin von den Fauves fasziniert war und sich mit ihnen auseinandersetzte, in jenem Jahr die leuchtenden Farben und die fauvistischen Tendenzen zugunsten einer Stilisierung der Realität in gedämpften Farben aufzugeben, die durch die Reduzierung von Gegenständen, Bäumen und Häusern auf elementare geometrische Formen erreicht wurde. Als er später Picassos Les Demoiselles in seinem Atelier sah, intensivierte er seine ähnlichen Erkundungen und schuf 1908 eine Reihe von Landschaftsbildern, darunter die Häuser von L’Estaque, in denen Bäume und Berge in Form von Würfeln und Pyramiden dargestellt wurden, ähnlich wie in der Architektur.

Der Begriff “Kubismus”, “kubistisch”, soll nach Aussage des Dichters Guillaume Apollinaire auf einen spöttischen Ausdruck von Henri Matisse zurückgehen, der als Mitglied der Jury des Salon d’Automne 1908 fünf der sieben Gemälde von Georges Braque abgelehnt hatte. Es war jedoch der Kritiker Louis Vauxcelles , der in einem in der Zeitschrift “Gil Blas” veröffentlichten Artikel zum ersten Mal und erneut in Bezug auf die Gemälde von Georges Braque von“bizarreries cubiques” sprach. Wie schon bei den Impressionisten 1874 und den Fauves 1905 akzeptierten die Künstler diese Definition.

Mit der Einzelausstellung von Braque in der Galerie von Daniel-Henry Kahnweiler in der Rue Vignon in Paris wird der Kubismus Ende desselben Jahres der Öffentlichkeit vorgestellt. Die Experimente von Picasso und Braque sind vor allem Kahnweiler zu verdanken, der ihre Arbeit maßgeblich unterstützt und ihnen anbietet, die Werke zu kaufen, während sie gemalt werden. Nach der Ausstellung von 1908 stellen die beiden Künstler mit wenigen Ausnahmen nur noch in seiner Galerie aus. Die enge Zusammenarbeit zwischen Picasso und Braque war entscheidend für die Entstehung des Stils. Beide lebten im Pariser Stadtteil Montmartre und trafen sich regelmäßig, um ihre Fortschritte zu besprechen. Sie beeinflussten sich gegenseitig so stark, dass ihre Werke manchmal nicht voneinander zu unterscheiden waren. Wie ein öffentliches Interview des Galeristen Kahnweiler über den Kubismus im Jahr 1912 zeigt, wächst das öffentliche Interesse und eine gewisse Anerkennung der Bewegung. In diesem Jahr erscheint ein theoretischer Aufsatz mit dem Titel Du cubisme von Jean Metzinger und Albert Gleizes, und ab 1913 sammelt Guillaume Apollinaire in dem Band Ästhetische Meditationen: die kubistischen Maler einige seiner der neuen Malerei gewidmeten Schriften.

Obwohl es bis 1925 einige kubistische Ausstellungen gab, überlebte die Bewegung den Ersten Weltkrieg nicht lange. Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 wurde Picasso als Ausländer in Frankreich nicht eingezogen, wohl aber Braque, der als Kriegsverletzter erst 1917 wieder zu malen begann; Kahnweiler wurde als Deutscher aus Frankreich verbannt, und der Haupthändler für kubistische Kunst in Paris wurde Léonce Rosenberg zusammen mit seinem Bruder Paul Rosenberg, der auch in den Jahren um den Zweiten Weltkrieg Picassos Gemälde verkaufte.

In diesen Jahren entstanden auch die Salonkubisten, die so genannt wurden, weil sie kubistische Werke ausstellten, die vom Stil Picassos und Braques beeinflusst waren. Durch die Arbeiten der Salonkubisten wurde die Bewegung in der Öffentlichkeit bekannt. Zu den Künstlern gehörten Juan Gris, Fernand Léger, Roger de La Fresnaye, Robert Delaunay sowie Jean Metzinger und Albert Gleizes selbst, die bereits in der die bereits seit Ende 1911 in engem Kontakt in den Pariser Vororten lebten und sich mit anderen Mitgliedern der Gruppe in Puteaux trafen, einem Vorort, in dem der Maler und Graveur Jacques Villon und sein Bruder, der Bildhauer Raymond Duchamp-Villon (die so genannte"Gruppe von Puteaux") ihre Ateliers hatten. Es ist wahrscheinlich, dass die wichtigsten Ideen für ihr Du cubisme (1912), die erste veröffentlichte Erklärung zum Stil, bei diesen Treffen formuliert wurden. Ein denkwürdiges Erlebnis im Jahr 1912 war der Salon de la Section d’Or, in dem sich die radikalsten Strömungen der Malerei trafen und der nach dem Salon d’Automne in der Galerie La Boetie stattfand. Wie der Kubismus von Picasso und Braque wurde auch die Gruppe der Section d’Or nach dem Ersten Weltkrieg nicht konsequent weitergeführt, sondern hatte zwischen 1918 und 1925 nur sporadische Ausstellungen.

Georges

Themen und Stile: Die Entwicklung des Kubismus

Die verschiedenen Etappen der Entwicklung des kubistischen Stils basieren hauptsächlich auf der Entwicklung der Werke von Picasso und Braque und nicht auf der der Salonkubisten. Die erste, so genannte formative Phase in den Jahren 1908-1909 folgt auf die Pariser Retrospektive von Paul Cézanne im Jahr 1907, von dem mehrere Künstler die malerische Lehre übernommen haben: das Fehlen der Tiefenwirkung, die Rückführung der Sehobjekte auf geometrische Formen, die materielle und einheitliche Qualität seiner Pinselstriche. Braque erforscht diese Zersetzung von Volumen und die schematische Behandlung von Flächen in mehreren Werken mit schattierten Facetten und essentiellem Chromatismus, die die ersten vollständig kubistischen Landschaften sind, die in der Provence gemalt wurden, wie es Cézanne selbst in den 1870er und 1880er Jahren getan hatte.

Gleichzeitig empfängt Picasso in Paris zahlreiche weitere Impulse und Einflüsse, die sich von der Tradition der klassischen Renaissance weit entfernen; 1906 kommt er in den Pariser Museen, darunter im Louvre, mit der iberischen Kunst und Archäologie seines Herkunftslandes sowie mit der afrikanischen Kunst in Berührung, die eine neue Malerei im Sinne der Vereinfachung des menschlichen Körpers und der Figuren im Allgemeinen ausrichtet und die Illusion von Tiefe in den Gemälden verneint. Wenn man Les Demoiselles von 1907 stilistisch betrachtet, ist es sehr interessant, den Unterschied zwischen den drei Figuren auf der linken Seite, die relativ sanft sind, und den beiden auf der rechten Seite, die viel härter und aggressiver sind, festzustellen. Die erste Gruppe weist auf den Einfluss der alten iberischen Kunst hin, während die zweite den Wunsch Picassos zeigt, sich die bildhauerischen Lehren Schwarzafrikas anzueignen, für die sich schon die Fauves wie Henri Matisse, André Derain und Maurice de Vlaminck interessiert hatten.

Die kubistische Saison entwickelt sich sehr systematisch. Der analytische Kubismus prägt die Jahre 1910-1912, in denen sich die beiden Künstler der genauen Analyse von Gegenständen in ihrem Hintergrund und aus verschiedenen Blickwinkeln zuwenden und in denen die Farbe ihren beschreibenden Wert verliert.Picasso und Braque beschränken ihre Themen auf die traditionellen Gattungen des Porträts und des Stilllebens und ihre Palette auf Erdtöne und gedämpfte Grautöne, die die Konturen der fragmentierten Formen von Figuren und Gegenständen reduzieren. Das Farbschema eignet sich für die Darstellung komplexer und vielfältiger Visionen des Objekts, die auf übereinander liegende Flächen reduziert sind. Diese Flächen scheinen sich über die Oberfläche der Leinwand hinaus zu bewegen, anstatt in die Tiefe zu gehen.

Obwohl sich ihre Werke oft ähneln, werden ihre unterschiedlichen Interessen mit der Zeit deutlich. Braque neigte dazu, Objekte zu zeigen, die explodieren oder sich in Fragmente auflösen, während Picasso sie magnetisch darstellte, mit anziehenden Kräften, die Elemente des Bildraumes in Richtung eines Zentrums in der Komposition drängten. Repräsentative Motive aus dieser Zeit sind Musikinstrumente, Flaschen, Krüge, Gläser, Zeitungen sowie das menschliche Gesicht und die menschliche Figur.

Die analytische Fragmentierung wird in Werken wie Picassos Porträt von Ambroise Vollard oder Braques Der Gitarrist deutlich, in denen die Beziehungen zwischen den Farbflächen und das Gewirr gebrochener Linien die Figuren ganz ausfüllen und der Hintergrund mit seinen scharfen Kanten in wichtige Teile des Körpers eindringt. Bilder, die nicht nur mit den Augen, sondern auch durch komplexe geistige Aktivitäten “rekonstruiert” werden müssen. Zu den Werken dieses Stils gehören Braques Vorgängerwerk Violine und Palette von 1909 oder Picassos Ma Jolie (1911-1912). Der synthetische Kubismus umfasst die Produktion zwischen 1912 und 1914, die alle auf die Synthese ausgerichtet sind, mit der die Objekte dem Geist des Malers präsentiert werden, eine Periode, in der auch konkrete, dreidimensionale Elemente in die Gemälde mit mehreren Perspektiven eingeführt werden und in der die Farbe eine starke Rolle einnimmt. Die Formen bleiben zwar fragmentarisch und flach, werden aber größer und dekorativer, und die Oberflächen der Leinwände nehmen Fremdmaterialien auf, die in Kombination mit den gemalten Flächen auf die Leinwand geklebt werden.

1912 schuf Pablo Picasso das Werk Stillleben mit ausgestopftem Stuhl, in dem zum ersten Mal ein Element nicht dargestellt, sondern physisch in das Gemälde integriert wurde: Die Füllung ist ein Stück gewachste Leinwand, während der Rahmen aus einem Seil besteht, das an den Rand der Komposition geklebt wurde. Dies war der Beginn der kubistischen Collage und zusammen mit Braque, der begann, Zeitungen auf seine Leinwände zu kleben, die Pappmaché-Technik. Mit dem Papiercollé des synthetischen Kubismus beginnt die Operation der Kunst in dem Sinne, dass die Abfälle der materiellen Welt ihren Platz in der idealen Welt der Malerei und der Zeichnung einnehmen. Wir haben es nicht mehr mit Malerei im eigentlichen Sinne zu tun, sondern mit einer Art Zwitter zwischen der Arbeit mit dem Pinsel und der Arbeit mit Schere und Kleber. Die synthetische Komposition jener Zeit bediente sich zudem häufig eines ungewöhnlichen Leinwandformats, des Ovals, und alle diese Aspekte zusammen warfen die Frage auf, was Realität und was künstlerische Illusion war.

Juan Gris, der bereits seit einigen Jahren allein auf der Suche nach einer Sprache war, die das Bild von der Beschreibung der Wirklichkeit befreit, leistete einen wichtigen Beitrag zu den Lösungen des synthetischen Kubismus: “Cézanne macht aus einer Flasche einen Zylinder, ich mache aus einem Zylinder eine Flasche”(Stillleben mit Obstteller und Wasserflasche, 1914).

Das Stilllebenin einer Landschaft (Place Ravignan) ist ein hervorragendes Beispiel für seinen reifen Stil. Gris malte dieses Bild im Jahr 1915, auf dem Höhepunkt des Weltkriegs. Das in Öl ausgeführte Werk zeigt eine Taverne mit einem Tisch für Gäste vor einem offenen Fenster. Wir haben es hier mit dem Thema der Bildillusion und der Zerlegung der visuellen Realität in Ebenen zu tun: Während das Fenster eine fast realistische Wahrhaftigkeit aufweist, sind die alltäglichen Gegenstände in der Nähe des Betrachters zerbrochen und unzusammenhängend. Gris verleugnete also keinen Blickwinkel in derselben Vision. Diese Interpretation des Kubismus verrät zwar nicht die ursprünglichen Prämissen der Begründer, nimmt aber die konservative Wende vorweg, die als"Rückkehr zur Ordnung" definiert wird und sich am Ende des Krieges manifestieren sollte.

Anders verhält es sich bei Fernand Léger, in dessen Malerei die kaleidoskopische und dynamische Fragmentierung der Formen und die leuchtende und farbenfrohe Palette auf die optimistischen Symbole der mechanischen Zivilisation hinweisen, die im Laufe der Zeit immer deutlicher werden. Im Jahr 1911 malt er unter dem Einfluss des analytischen Kubismus seine Akte im Wald. In diesem Gemälde sind die Figuren und Gegenstände auf eine seltsame Kombination aus grauen und grünlichen Röhren reduziert. Von da an entwickelte sich schnell sein Interesse an der industriellen Zivilisation und der Arbeitswelt: Léger wollte ein neues Bildmedium finden, das das moderne Leben widerspiegelt. In dem 1913 gemalten Kontrast der Formen sind Zylinder, Kegelstümpfe und Metallflächen ohne erkennbares literarisches Sujet oder traditionelle Bildgattung aufgetürmt. Die Farben und Linien weisen auf einen Kubismus hin, der sich auf der Grenze zwischen dem Analytischen und dem Synthetischen bewegt, sich aber gleichzeitig von dem der Begründer der Strömung Picasso und Braque unterscheidet. Zwischen 1915 und 1922 neigten viele französische Künstler angesichts der Kriegswirren dazu, sich von radikalen Experimenten zurückzuziehen, was nicht nur für den Kubismus galt(Drei Frauen von Léger, 1921).

Das Erbe des Kubismus

Der Kubismus verbreitete sich in den 1910er Jahren rasch in ganz Europa, sowohl wegen seines systematischen Ansatzes bei der Darstellung von Bildern als auch wegen der Offenheit, die er bei der Darstellung von Objekten auf neue Weise bot.

Die Bewegung bezog weit über die Produktion von Werken hinaus die gesamte künstlerische Sphäre ein und bildete die Grundlage für eine Reihe von Stilen des frühen 20. Jahrhunderts, einschließlich des Futurismus, und viele wichtige Künstler durchliefen in ihrer Entwicklung eine kubistische Phase, von denen Marcel Duchamp, der Vater der Konzeptkunst, vielleicht der bemerkenswerteste war(Nude Descending the Stairs No. 2, 1912).

Spätere Bewegungen wie der Minimalismus wurden ebenfalls von der kubistischen Verwendung der Geometrie beeinflusst, und man kommt nicht umhin, die Entwicklung der abstrakten Kunst mit den Experimenten der Kubisten zu verbinden.

Der Kubismus, die Revolution der Form: Ursprünge, Entwicklung und wichtigste Künstler

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