Der Fauvismus, die Farbrevolution. Geschichte und Stil der Fauves

Der Fauvismus(französisch “Fauvisme”) war eine der ersten europäischen Malereibewegungen des 20. Jahrhunderts, die an die technischen Experimente und Forschungen des Postimpressionismus des späten 19. Jahrhunderts anknüpfte und diese erneuerte. Die in Frankreich aus einer heterogenen Gruppe von Künstlern entstandene Bewegung war nur von kurzer Dauer, von 1905, als sie während des Salon d’Automne im Grand Palais in Paris formalisiert wurde, bis etwa 1907, obwohl sie einige der wichtigsten künstlerischen Veränderungen des 20.

Obwohl die Gruppe nie ein Manifest mit einem gemeinsamen ästhetischen oder politischen Programm verfasste, entwickelten die als Fauves (“Bestien” oder “Wilde”) bekannten Maler gemeinsame Ziele, und ihr wichtigster Beitrag bestand darin, die Farbe von ihrem traditionellen beschreibenden und darstellenden realistischen Zweck zu lösen, um sie zu einem unabhängigen Werkzeug und visuellen Element zu machen , das auf der Leinwand von einem ursprünglichen Gefühl geleitet wird. Eine weitere künstlerische Priorität des Fauvismus war die Unabhängigkeit der Zeichnung im Gesamtgleichgewicht der Komposition im Bildraum. Die Struktur des Gemäldes wird durch vereinfachte Formen und gesättigte Farben gegeben, die nicht unbedingt der natürlichen Welt oder der Perspektive der Renaissance entsprechen.

Der Fauvismus vereint in seiner Verwendung und Betrachtung der Farbe mehrere französische Maler des frühen 20. Jahrhunderts, die ihren persönlichen Ausdruck und ihren individuellen Instinkt jenseits der akademischen Theorie geltend machen, inspiriert durch die Experimente der Postimpressionisten Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Georges Seurat. Von Cézanne, der als Vater aller Avantgarden des 20. Jahrhunderts gilt, stammt die Methode, Bilder in relativ homogene Farbflächen zu zerlegen, die jedoch ungenaue Konturen aufweisen; die Grenzen der einzelnen Farbfelder stimmen nicht immer mit den Konturen der dargestellten Gegenstände überein, so dass das durch die Farbkonstruktion suggerierte Bild dem realistischen widersprechen kann. Vom Erbe des Postimpressionismus und insbesondere von der Strömung der Neoimpressionisten wie Seurat, dessen Farbtheorie mit der Technik des Pointillisme, des “Puntillismus” oder "Pointillismus durch die Vermittlung von Paul Signac bekannt wurde, gibt es eine starke Spur in der Vorliebe für reine Farben und Nebeneinanderstellungen und von Gauguin und Van Gogh in der freien Ausdruckskraft, die die Fauves verstärkten. Die unmittelbare Erfahrung des Künstlers mit seinen Sujets, seine emotionale Reaktion auf die Natur und die ihn umgebende Realität sowie seine individuelle Intuition werden in den Dienst der Darstellung gestellt: ein Baum kann rot sein, der Himmel gelb und ein menschliches Gesicht kann intensive grüne oder blaue Flecken aufweisen. Die Darstellung erhält so eine Identität, die unabhängig von der Erscheinung der Dinge ist, die sich dem Auge bieten.

Einige der Fauves, wie Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis, 1869 - Nizza, 1954), Henri Manguin (Paris, 1874 - Saint-Tropez, 1949) und Albert Marquet (Bordeaux, 1875 - Paris, 1947) waren Schüler der Fauves gewesen. Henri Manguin und Albert Marquet (Bordeaux, 1875 - Paris, 1947) waren an der Pariser Kunstschule Schüler des symbolistischen Künstlers Gustave Moreau (Paris, 1826 - 1898), der den persönlichen Ausdruck als notwendiges Attribut eines großen Malers bezeichnete. Andere, wie André Derain (Chatou, 1880 - 1954, Garches) und Maurice de Vlaminck (Paris, 1876 - Rueil-la-Gadelière, 1958), die gemeinsam in einem Atelier in Chatou arbeiteten, schlossen sich als glühende Verehrer der expressiven Gewalt à la Van Gogh den Fauves an, zusammen mit einem kleinen Kern, der sich in der Hafenstadt Le Havre niedergelassen hatte, Raoul Dufy (Le Havre, 1877 - 1953, Forcalquier), Othon Friesz (Le Havre, 1879 - Paris, 1949) und Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963) folgten Matisse, der als Ältester unter ihnen und mit seiner autonomen Persönlichkeit als “Anführer der Schule” und ihr höchster Vertreter galt.Bis 1908 hatten die Mitglieder der Gruppe bereits in andere Richtungen geforscht, doch ihre grundlegenden Ideen und Werke, die die reine Farbe und Form als Mittel zur Vermittlung der Gefühlslage des Künstlers neu definierten, beeinflussten die Kunst noch Jahrzehnte später und nahmen die Poetik des Kubismus und des Expressionismus vorweg.

Der Name und die Geschichte der Fauves

Einige der Künstler, die sich der Bewegung anschlossen, malten bereits vor den Ausstellungen, die sie 1905 und 1906 bekannt machten und skandalöse Reaktionen in der Öffentlichkeit und bei den Kritikern auslösten, Werke, die als Fauves bezeichnet wurden. Der Name “Fauves”, der übersetzt “Bestien” oder “Wilde” bedeutet, wurde ihnen von dem Kunstkritiker Louis Vauxcelles (Paris, 1870 - 1943) nach einer ersten Ausstellung von Werken von Matisse und anderen im Salon d’Automne 1905 sarkastisch zugewiesen. Der Salon war erst zwei Jahre zuvor, 1903, gegründet worden, um modernen Künstlern die Möglichkeit zu geben, frei auszustellen, da der Konservatismus des akademischen Umfelds unempfänglich für Neues und Kritisches zu sein schien. Der Maler Matisse erinnerte sich 1905 an diese Episode mit folgenden Worten: “Derain, Manguin, Marquet, Puy und andere hatten ihre Werke nebeneinander in einer der Galerien ausgestellt: ein Bildhauer stellte in der Mitte derselben Galerie eine Kinderbüste im italienischen Stil aus. Als Vauxcelles eintrat, rief er aus: ”Verdammt, Donatello unter den Tieren!".

Was ihm auffiel, war die Gewalt der unnatürlichen Farben, die den akademischen Stil und den der Impressionisten störte, die nur wenige Jahre zuvor erklärt hatten, dass “die Malerei den visuellen Eindruck” der Realität widerspiegeln sollte. Diese jungen Maler wurden vom Postimpressionismus inspiriert.

Doch die Entstehung des Fauvismus, der, wie gesagt, keine Strömung mit einem von vornherein festgelegten Programm war, muss auf die Zeit zwischen 1894 und 1897 zurückgeführt werden, als Matisse, Manguin, Marquet und andere wie Charles Camoin (Marseille, 1879 - Paris, 1965) und Georges Rouault (Paris, 1871 - 1958) im Atelier des Malers Gustave Moreau an der Ecole des Beaux-Arts in Paris zusammenkamen: Die Aquarelle des Meisters, die frei angeordneten Farbflächen und die Linienführung seiner Ölskizzen stellen einen frühen Beitrag zur malerischen Ausbildung der künftigen Fauves dar, die Moreau selbst zu einer freien, von akademischen Konventionen unabhängigen Forschung anregt.

Zwischen 1897 und 1898 kamen neben Othon Friesz auch die Niederländer Kees van Dongen (Delfshaven, 1877 - Monte Carlo, 1968) und Jean Puy (Roanne, 1876 - Roanne, 1960) nach Paris, die mit Matisse und Derain in Kontakt kamen: Letzterer lernt 1900 De Vlaminck kennen und mietet mit ihm ein Atelier in Chatou an der Seine, das ebenfalls zu den Lieblingsorten der Impressionisten gehört. Die beiden wurden oft unter dem Begriff"Schule von Chatou" zusammengefasst. Matisse, der ältere und etabliertere Künstler, besuchte, unterstützte und förderte sie bis zu jenem Sommer 1905, als sie zusammen mit Derain eine produktive und revolutionäre Zeit in Collioure, einer Hafenstadt in Südfrankreich, verbrachten, Stile und Techniken perfektionierten und an zahlreichen bedeutenden Gemälden arbeiteten (siehe Matisse’s Portrait of André Derain und Derain’s own Portrait of Henri Matisse).

Zu diesem besonderen persönlichen und künstlerischen Zeitpunkt kamen auch Dufy und Braque nach Paris, der als Mitbegründer der kubistischen Bewegung bekannt ist, aber zunächst den Fauves angehörte und nach der Begegnung mit Friesz die so genannte“Gruppe von Le Havre” bildete, die von der Malerei von Matisse beeinflusst war. Zu Beginn des Jahrhunderts standen die als Fauves bezeichneten Künstler bereits miteinander in Kontakt und waren sich einig, dass sie eine neue Ausdrucksweise anstrebten: Die Beziehung zur sichtbaren Wirklichkeit war nicht mehr mimetisch, und die Natur wurde im Sinne des Symbolismus als Repertoire verstanden, aus dem man für eine freie Interpretation durch die emotionalen Werte der scharfen Farben schöpfen konnte.

Matisse selbst war zum Stil der Fauves gekommen, nachdem er mit verschiedenen Ansätzen zur Ablehnung der traditionellen Raumdarstellung experimentiert hatte(Luxus, Ruhe und Wollust von 1904 zeigt deutlich den Einfluss des Neoimpressionismus von Seurat), und obwohl er nie ausdrücklich den Pointillismus praktizierte, führten seine Beobachtungen dieser Technik dazu, dass er sein eigenes Konzept von Farbstruktur und Bildraum entwickelte. Im Jahr 1905 besuchte Matisse das Atelier von Chatou, wo er von den reinen Farben der beiden Maler Derain und de Vlaminck stark beeindruckt war. Einige ihrer Bilder aus diesem Jahr wurden später auf dem jährlichen Salon d’Automne im Grand Palais in Paris ausgestellt, wo sie durch ihre farbenfrohen Leinwände mit spontanem, vollmundigem Pinselstrich auffielen (Matisse nahm mit seiner berühmten Frau mit Hut teil).

Der Erfolg des Fauvisme stellte sich - anders als beispielsweise beim Impressionismus - fast sofort ein und führte zu Kontakten mit Galeristen, Händlern und Sammlern, und sogar die französische Regierung kaufte schon bei den ersten Salons Werke der Fauves. Dies ist zweifelsohne ein Zeichen für die neue Beziehung zwischen Kunst und Markt, die sich an der Wende vom 19. zum 20. Das Jahr 1906, in dem sich die Bewegung voll entfaltet, markiert eine weitere Intensivierung des Chromatismus, der Fauvisme triumphiert auf dem Salon des Indépendants, Matisse stellt dort Die Freude am Leben aus, und von dieser Erfahrung lassen sich auch andere Maler wie der Russe Wassili Kandinsky von seinen Ausdrucksformen inspirieren. In diesem Jahr, 1906, werden in Dresden gleichzeitig die Werke der deutschen Gruppe “Die Brückenköpfe” ausgestellt, aus denen der deutsche Expressionismus hervorgeht, von dem sich die Fauves durch eine geringere Existenzangst, eine weniger polemische und gesellschaftskritische Absicht und gleichzeitig ein größeres Interesse an der Farbe unterscheiden.

Ihre Kunst wurde in anderen Ausstellungen gezeigt, insbesondere im Salon des Indépendants 1907, dessen Hauptattraktion ein großer Raum mit dem Spitznamen “Die Höhle der Fauves” war. Doch gleichzeitig schwand der relativ einheitliche Charakter des Fauvismus, und 1908 arbeiteten viele der Maler bereits in unterschiedlichen künstlerischen Richtungen. Erst der Bruch mit dem Kubismus (Picassos Les demoìselles d’Avignon stammt aus dem Jahr 1907) führte zum Bruch mit der Bewegung. Trotz ihres kurzen Bestehens als einheitliche Gruppe hatte sich in nur vier oder fünf Jahren ein ästhetisches Programm entwickelt, das reich an Auswirkungen war. Indem die Farbe von der Erscheinung der Dinge abweicht, verändert sie schließlich den Raum der Malerei zwischen Vorder- und Hintergrund in eine Unbestimmtheit zwischen den geometrischen Grenzen der gemalten Architektur. Die Loslösung der Zeichnung von der Farbe öffnete das Tor zur kubistischen Revolution. Die 1908 von Matisse veröffentlichten Notes d ’un peintre, “Notizen eines Malers”, dienten als formale Aufzeichnung zahlreicher Ziele und Ideen der Fauves.

Der Stil der großen Fauves

Die Fauves konzentrierten sich alle, wenn auch auf differenzierte Weise, auf die Farbe als Mittel des persönlichen Ausdrucks und als Werkzeug für den Aufbau von Bildern, bei denen die kompositorischen Elemente eher der Positionierung der verschiedenen gewählten Farben als einem perspektivischen oder zeichnerischen System entsprechen. Das Hell-Dunkel, das den Effekt der Tiefe erzeugte, wurde zugunsten eines pastosen Pinselstrichs abgeschafft, der direkt aus der Tube auf die Leinwand aufgetragen wurde und dazu diente, die Proportionen des Gemäldes im Namen einer inneren Ordnung der Komposition, die emotionale Anregungen widerspiegelte, zu schaffen und zu überprüfen. In ihrem gemeinsamen Streben nach Ausdruck durch Farbe und Form waren diese Künstler im Allgemeinen weniger an der Neuartigkeit ihrer Sujets interessiert: Porträts, Landschaften, Seelandschaften und Figuren in unbestimmten Innenräumen.

Als die Fauves auf der Pariser Kunstszene auftauchten, entsprach die bis dahin revolutionärste Vorstellung von Landschaft derjenigen, die von den Impressionisten entwickelt worden war: freie Luft, klare Farbpalette und unmittelbare Wiedergabe des direkten visuellen Eindrucks auf der Leinwand. Diese war bereits von Künstlern wie Gauguin und Van Gogh in Frage gestellt worden, die in der Vielfalt ihrer Inspiration intensiv subjektive Landschaften mit einer starken symbolischen Aufladung gemalt hatten. Während die Impressionisten und Postimpressionisten Szenen aus dem städtischen und dann modernen Leben darstellten, wie die Boulevards, Cafés und Umgebungen von Paris und seiner Umgebung, hatte für die Fauves die visuelle Wirkung der Farbkomposition Vorrang vor jeder möglichen Erzählung oder Symbolik.

Die Malerei der Fauves ist intensiv und vital, aber kaum beunruhigend. Angefangen mit dem Anführer Matisse, der sich allmählich von der Verwendung subtiler Schattierungen gemischter Farben entfernte und in seiner “wilden” Periode mit leuchtenden, verstörenden, flächigen Farben arbeitete. “Die expressive Komponente der Farbe”, so erklärte er im Gefolge der Lehren von Moreau, sollte “rein instinktiv entstehen”, und die Auswahl erfolgte durch “Beobachtung, Gefühl, sensible Erfahrung”.

In dem 1904 entstandenen Werk Luxus, Ruhe und Wollust, das in der Verwendung von kleinen Farbtupfern deutlich vom Pointillismus Seurats beeinflusst ist, mit dem Matisse diese Technik jedoch wieder aufgreift, besteht ein starker Kontrast zwischen der expressiven Gewalt und der idyllischen Gelassenheit des gemalten Motivs. In Anlehnung an das Gedicht Einladung zur Reise von Charles Baudelaire handelt es sich um ein harmonisches ideales Land, in dem in der Tat “alles Ordnung und Schönheit, Luxus, Ruhe und Wollust” ist und in dem die Orangen, Gelb-, Grün- und anderen Farben alle ihren diskreten Platz auf der Bildebene behalten und nie ganz ineinander übergehen wie im Pointillismus. So sind in Die Lebensfreude von 1906, dem vielleicht bekanntesten fauvistischen Werk von Matisse mit seinen starken visuellen Kontrasten, die zu vibrieren scheinen, seine Akte in sinnlicher Glückseligkeit, miteinander und mit der Landschaft durch ein gewundenes Netz von geschwungenen Linien und hellen, nicht natürlichen Farben verbunden. Wie Picassos Les Demoiselles d’Avignon (1907) ist dies ein Hauptwerk des 20. Jahrhunderts, weil der Künstler die menschliche Figur und die Landschaft selbst ausdrucksstark neu interpretiert.

In denselben Jahren, in denen Matisse seine ersten Experimente mit postimpressionistischen Techniken durchführte, taten dies auch die beiden Maler Derain und de Vlaminck, die dann ihr gemeinsames Interesse an kräftigen Farben und einem besonderen Pinselstrich entwickelten. Die fauvistischen Gemälde von Derain geben jeden Ton einer Landschaft durch kräftige lange und kurze Pinselstriche wieder, während de Vlaminck mit intensiven Wirbeln arbeitet.

Derain war wie Matisse für die Verwendung reiner Farben und vereinfachter Formen bekannt und interpretierte die Landschaft, indem er sich von früheren Darstellungen entfernte. In den berühmten Bergen von Collioure (1905) strukturiert er mit vereinzelten Pinselstrichen, die von der divisionistischen Malerei beeinflusst sind, die Bäume und das Gelände seiner Landschaft, und in den Docks von London, einem Gemälde aus dem Jahr 1906, wird das fast banale Thema der Lastkähne, Schornsteine und Matrosen durch die unrealistische Farbgebung des grünlichen Wassers und des Himmels sowie durch eine kühne Rahmung von oben revolutioniert. Im Gegensatz zum leidenschaftlichen und impulsiven de Vlaminck, der mehr als jeder andere Zeitgenosse den Einfluss von Van Goghs unmittelbarer und intensiver Technik zu spüren bekam, verbindet Derain mit dem Reichtum der Farben einen bemerkenswerten Sinn für das Maß und eine durchdachte Vision der natürlichen Realität. Für Die Seine bei Chatou, ebenfalls von 1906, verwendete Vlaminck die von vielen Fauves praktizierte Impasto-Technik, bei der dicke Farbflecken in kurzen Pinselstrichen aneinandergefügt werden, um den Effekt der Bewegung zu erzeugen. Er verwendete eine Reihe von Blau- und Grüntönen für das Wasser und den Himmel sowie schillernde weiße Glanzlichter und kontrastierende Rot- und Orangetöne für einen endgültigen Effekt von lebendiger Leuchtkraft und Bewegung, bei dem die traditionellen Details und die Perspektive einem Gefühl lebendiger Freude Platz machen.

Circus, eine Vorstadtlandschaft aus dem Jahr 1906, zeichnet sich durch aufgeladene Pinselstriche und schrille Farben aus, die wie eine Welle den dargestellten Objekten folgen und einen unkontrollierten Ausdruck von Vitalität bekräftigen, der ihm, wie er schrieb, “aus dem Herzen und aus dem Bauch heraus ohne Rücksicht auf den Stil” kam.

Der Fauvismus, die Farbrevolution. Geschichte und Stil der Fauves

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