Barocke Bildhauerei. Ursprünge, Entwicklung, Künstler und Meisterwerke

Die Gegenreformation hatte die Notwendigkeit einer Kunst betont, die einerseits die Gläubigen an die katholische Lehre erinnerte und andererseits den Vorrang der katholischen Religion gegenüber der protestantischen Reformation bekräftigte. Diese beiden Tendenzen trafen in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts zusammen und führten zur barocken Sprache: Die Gläubigen an den Kanon der römischen Kirche zu erinnern, bedeutete auch, sie emotional stark zu involvieren, sie in Erstaunen zu versetzen, und den Vorrang der katholischen Religion zu bekräftigen, bedeutete, die Macht und den Triumph der Kirche zu vermitteln. Dies führte zu einem Stil von großer Wirkung, der sich durch eine bemerkenswerte Virtuosität auszeichnet, die gerade durch den Wunsch zu verblüffen diktiert wurde.

Der Begriff Barock selbst enthält sozusagen die Essenz der Kunst, die in dieser Epoche entstanden ist: Er könnte von dem spanischen Begriff barrueco (oder seinem portugiesischen Pendant barroco) abgeleitet sein, der die scaramazza-Perle bezeichnet, d. h. eine unregelmäßig geformte Perle. Dieser Begriff, der in der Geschichtsschreibung des späten 18. Jahrhunderts in einem abwertenden Sinne entstand, um eine scheinbar leere und übermäßig extravagante Kunst zu bezeichnen, wurde dann Ende des 19. Jahrhunderts wieder aufgegriffen, diesmal aber in einem positiven Sinne, als dank der Arbeit des deutschen Gelehrten Heinrich Wölfflin die Poetik des Barock neu bewertet und auch auf der Grundlage des sozialen und kulturellen Kontextes, der sie hervorbrachte, eingehender analysiert wurde.

Merkmale und Entwicklungen der barocken Bildhauerei

Eines der charakteristischen Merkmale der Barockkunst war zweifellos der Kult des Bildes, der im Gegensatz zu der typisch lutherischen Tendenz stand, die das Kunstwerk als nutzlose Zurschaustellung, als Eitelkeit, als Prahlerei betrachtete. Aus diesem Grund vergab die katholische Kirche in der Barockzeit vermehrt Kunstaufträge, nach dem Motto: Je mehr ein Werk den Betrachter in Erstaunen versetzt, ja fast erschreckt, desto mehr trifft es den Nerv der Zeit. Mit dem Barock wurde die Kunst zu einem Überzeugungs- und Propagandainstrument: In Italien kamen die meisten Aufträge von der Kirche, doch schon bald verbreitete sich der Barock in ganz Europa und sogar in der übrigen Welt, insbesondere inLateinamerika, wo die Kirche zu dieser Zeit ihre Evangelisierungsarbeit leistete. So entstand eine hochtheatralische Kunst, in der das Bild fast als göttliche Manifestation angesehen wurde, und schon bald wurde die virtuose Sprache, die von den Künstlern für die Kirche entwickelt wurde, auch von privaten Mäzenen besonders geschätzt, da die Barockkunst im Zeitalter des Absolutismus für die Staaten die gleiche Funktion der Triumphfeier erfüllte wie für die Kirche.

Die barocken Tendenzen in der Malerei und der Bildhauerei wurden jedoch von einigen Künstlern, die im späten Manierismus ausgebildet wurden, vorweggenommen, und in diesem Zusammenhang ist hervorzuheben, dass der Barock oft als eine Art ideale Fortsetzung des Manierismus angesehen wurde, dessen Virtuosität er wieder aufnahm, wenn auch mit einer anderen Bedeutung. Die manieristische Virtuosität war in der Tat eine Reaktion auf die Ordnung und Strenge der Renaissance, die die Künstler in einer Zeit großer Unruhe untergraben und umstürzen wollten, während die barocke Virtuosität aus der Suche nach einer Kunst der Wirkung entstand, die den Betrachter ansprechen sollte.

Bildhauer, die den Barock vorwegnahmen

Zu den ersten Bildhauern, die auf halbem Weg zwischen dem späten Manierismus und den neuen Tendenzen ihre Kunst zu einer Zeit aufblühen ließen, als sich der Barock bereits durchsetzte, gehört Pietro Tacca (Carrara, 1577 - Florenz, 1640). Der Giambologna-Schüler und am Hof der Medici tätige Künstler setzte seine Vorliebe für das Bizarre in einer Reihe von Brunnen für die Großherzöge der Toskana um (z. B. der 1629 in Florenz auf der Piazza Santissima Annunziata geschaffene Brunnen), in denen verschiedene Motive aus der Tier- und Pflanzenwelt ebenso Platz fanden wie jene extravaganten Fantasiefiguren, die schon im Barock weit verbreitet waren.

Taccas Kunst, die in den Denkmälern, die er zur Feier der Größe und des Anstands seines mächtigen Auftraggebers, des Bildhauers aus Carrara, schuf, oft explizit feierliche Absichten ver folgte, fand gerade in der Gattung des Reiterdenkmals ihre Höhepunkte der Virtuosität. Pietro Tacca war in der Tat der erste Bildhauer in der Kunstgeschichte, der ein Reiterdenkmal mit einem sich auf den Hinterbeinen aufbäumenden Pferd schuf: das Denkmal für Philipp IV. von Spanien, das 1634 fertiggestellt wurde (Madrid, Plaza de Oriente). Pietro Taccas Interesse an der Wissenschaft trug ebenfalls zu diesem Erfolg bei: Der Bildhauer war mit Galileo Galilei befreundet, der der Überlieferung zufolge dem Künstler bei der Untersuchung der Statik des Denkmals half. Obwohl die Kirche eine starke Kontrolle über die Wissenschaft ausübte (ein Beispiel für diese Kontrolle ist der Prozess, den Galileo Galilei selbst erlitt), wurde die wissenschaftliche Forschung nicht entmutigt, es sei denn, die Positionen der Wissenschaftler standen in offenem Konflikt mit dem Diktat der Kirche, so dass die Wissenschaften, die frei praktiziert werden konnten (wie die Biologie), im Laufe des siebzehnten Jahrhunderts erhebliche Fortschritte machten.

Zur gleichen Generation wie Pietro Tacca gehörten zwei Bildhauer, die zwar unterschiedlicher Herkunft waren, aber beide zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Rom arbeiteten: Stefano Maderno (Bissone, 1576 - Rom, 1636) und Francesco Mochi (Montevarchi 1580 - Rom 1654). Der aus dem Tessin stammende Maderno war ein Bildhauer, der sich durch einfache und pathetische Manieren auszeichnete, die noch typisch für die Gegenreformation waren. Sein Streben nach Pathos, das zu einer natürlichen emotionalen Beteiligung des Betrachters führte, wird als Vorläufer des Strebens der barocken Bildhauer nach Emotionalität und Dramatik gesehen(Santa Cecilia, 1600, Rom, Santa Cecilia in Trastevere).

Der Toskaner Mochi ging sogar noch weiter: Wie Pietro Tacca schuf er Reiterdenkmäler und schuf eine Bildhauerei, die sich durch eine lebendige Dynamik auszeichnete, die sich in der Drehung der Körper der Figuren, in der Empfindung der Bewegung und in den theatralischen Gesten erfüllte, wie bei der Vergine Annunciata im Museo dell’Opera del Duomo in Orvieto. Alles mit einem ausgeprägten Interesse an der Darstellung von Gefühlen. Francesco Mochi war wahrscheinlich der Künstler, der die Neuerungen der Barockkunst am besten vorwegnahm.

Die bedeutendsten Bildhauer des Barock

Der revolutionärste Künstler, mit dem der Übergang zum Barock in der Bildhauerei vollzogen wurde, war jedoch Gian Lorenzo Bernini (Neapel, 1598 - Rom, 1680): Der Sohn eines toskanischen Bildhauers des späten Manierismus, Pietro Bernini, war ein frühreifes Talent, das sich durch das Studium antiker Marmorwerke (die er in seiner Jugend so gut imitieren konnte, dass er das, was heute als sein erstes Werk gilt, die Ziege von Amalea, eine Skulptur aus hellenistischer Zeit, betrachten konnte), aber auch durch das Studium der Meister der reifen Renaissance (die Referenz für Bildhauer war immer noch Michelangelo) ausbildete und auch die zeitgenössischen Maler mit Interesse betrachtete.

Mit einem seiner ersten Werke, dem David (1623-1624, Rom, Galleria Borghese), ist Bernini in die Gunst der Borghese-Familie getreten und offenbart eines der Merkmale seiner barocken Poetik: Die große Dynamik, die die Statue charakterisiert und sie eine völlig originelle Pose einnehmen lässt, dient dazu, einen präzisen Moment der Handlung einzufangen, der nicht zufällig gewählt ist, sondern genau den Höhepunkt darstellt, d. h. den Augenblick, in dem der Stein von der Hand des Protagonisten geworfen wird. Die Figur ist in der Unmittelbarkeit eines Augenblicks gefangen, der nur den Bruchteil einer Sekunde dauert, und gerade deshalb muss sie aus einem privilegierten Blickwinkel, nämlich dem frontalen, dargestellt werden. Diese Vorgehensweise scheint sich von der manieristischen Virtuosität zu unterscheiden, die stattdessen mehrere Blickwinkel voraussetzte, um die Dynamik der Darstellung voll auskosten zu können. Eine Dynamik, die auch eines der spezifischen Merkmale der Poetik Berninis darstellt und in vielen seiner Werke spürbar ist, die sich in gewundenen und verschlungenen Linien entwickeln (ein typisches Beispiel istApollo und Daphne, 1622-1625, Rom, Galleria Borghese): Die geschwungene Linie ist eine der Grundlagen der Barockkunst.

Die Suche nach Dramatik und Involvierung wurde von Bernini, wie man sich leicht vorstellen kann, vor allem in Werken mit religiösem Thema praktiziert: Insbesondere mit seiner Ekstase der Heiligen Theresia (1647-1652, Rom, Santa Maria della Vittoria) gelang Bernini eine äußerst intensive Darstellung, die den Betrachter auch deshalb nicht gleichgültig lassen kann, weil sie nach einem bewusst und offen theatralischen Schema entwickelt wurde (die Mitglieder der Auftraggeberfamilie Cornaro werden dargestellt, während sie die Szene von einer Balustrade aus beobachten). Die Theatralik, die ja eines der grundlegenden Elemente der Barockkunst ist, erreicht in diesem Werk von Gian Lorenzo Bernini ihren Höhepunkt.

Ein weiteres wichtiges Merkmal der barocken Poetik war die Vermischung der verschiedenen Kunstformen, insbesondere der drei Hauptformen, d. h. der Malerei, der Bildhauerei und derArchitektur: Nach diesem Prinzip mussten sich die typischen Elemente einer Kunstform mit denen der anderen vermischen. Den Höhepunkt in diesem Sinne erreichte Bernini mit dem Baldachin von St. Peter (1623-1633, Rom, St. Peter), einem monumentalen Werk auf halbem Weg zwischen Skulptur und Architektur, das jedoch reich an Dekorationen mit ausgeprägter malerischer Sensibilität war: Es handelte sich um ein Bauwerk, das dazu bestimmt war, das Grabmal von St. Peter zu überragen, und das sich durch einen Grundriss auszeichnete, der sich auf eine jahrhundertealte Tradition bezog, aber natürlich entsprechend den Neuerungen und dem ganz und gar barocken Flair von Gian Lorenzo Bernini weitgehend überarbeitet und aktualisiert wurde.

Es war auch ein Werk mit einer starken feierlichen Wirkung: Die gleiche Komponente der feierlichen Feierlichkeit, die für die Barockkunst typisch ist, verfolgte Bernini in seinen groß angelegten Werken, darunter das Grabdenkmal von Papst Urban VIII, geboren als Maffeo Barberini, dem Pontifex, der Bernini mehrere Aufträge verschaffte und dazu beitrug, ihn zum beliebtesten und einflussreichsten Bildhauer im Rom des 17. Berninis Denkmal (1628-1647, Rom, St. Peter) ist eines der spektakulärsten Werke, das wohl am besten den Wunsch der Kirche zeigt, ihren Triumph zu behaupten.

Berninis Genie wurde von keinem seiner Nachfolger nachgeahmt, die meist die vom Meister erfundenen Formeln wiederholten. Dennoch fehlte es nicht an Künstlern mit originellen oder interessanten Ideen: Zu den bedeutendsten unter ihnen gehören Alessandro Algardi (Bologna, 1598 - Rom, 1654) und Domenico Guidi (Torano di Carrara, 1625 - Rom, 1701). Der Einfluss Berninis auf beide Bildhauer war beträchtlich. Jeder von ihnen entwickelte jedoch einen spezifischen Charakterzug der Barockkunst. Alessandro Algardi schlug sehr feierliche Denkmäler vor, die jedoch von ruhigeren und fast idealisierten Tönen geprägt waren als die von Bernini (Grabmonument von Leo XI., 1634-1644, Rom, St. Peter). Domenico Guidi (ein Mitarbeiter von Algardi) hingegen entwickelte eine besonders aufgeladene Dramatik, die in Werken mit extrem freien und dynamischen Linien ihren Höhepunkt fand, wie in dem Marmoraltarbild für die Kirche Sant’Agnese in Agone in Rom.

Barocke Bildhauerei. Ursprünge, Entwicklung, Künstler und Meisterwerke

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