Andy Warhol: Leben und Hauptwerke des Vaters der Pop Art

Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - New York, 1987) war eine emblematische Figur der amerikanischen Malerei, der Vater der Pop Art. Als Maler, Bildhauer, Fotograf, Filmemacher und Bandproduzent veränderte er die Vorstellung vom Künstler, der zum ersten Mal sein eigener Unternehmer wurde. Schüchtern und von der Idee besessen, sich selbst als hässlich zu betrachten, verfügte Warhol über ungewöhnliche Kommunikationsfähigkeiten und eine große Beobachtungsgabe, alles Fähigkeiten, die es ihm ermöglichten, sein Leben zu verändern und sich ein Image als “Star” vor dem eines Künstlers aufzubauen.

Seine künstlerische Berufung wurde ihm schon als Kind in die Wiege gelegt, als ihm seine Mutter nach einer schweren Krankheit einen Zeichenblock schenkte. Er begann in New York als Werbegrafiker bei Magazinen zu arbeiten wie: Vogue, Harper’s Bazar und Glamour. Aus der Welt der Werbung kam er zur Kunst und entwickelte eine unpersönliche Sprache, die darauf abzielte, eine Art von Kunst zu schaffen , die eine “objektive” Aufzeichnung der Realität darstellt. Zu diesem Zweck und um eine serielle Produktion seiner Werke in Gang zu setzen (Serialität ist eines der Markenzeichen von Andy Warhols Kunst), verwendete der amerikanische Künstler industrielle Produktionstechniken wie den Siebdruck auf Leinwand (eine künstlerische Drucktechnik, bei der ein Textil-, Stahl- oder Nylonträger als Matrize dient).

Warhol ist auch dafür bekannt, dass er die Factory ins Leben gerufen hat, einen Ort, an dem sich aufstrebende Künstler und die Superstars der damaligen Zeit trafen und der auch für seine Avantgarde-Partys berühmt wurde (man sagte sogar, dass eine Party ohne Andy Warhol keine richtige Party sei). Hinter diesem “Star” verbarg sich jedoch eine viel schüchternere und schwer fassbare Persönlichkeit. Auf der einen Seite der Mann mit seinen Schwächen, auf der anderen Seite der Künstler, der eine Maske trägt, um sich von der Welt fernzuhalten.

Andy Warhol, fotografiert von Jack Mitchell

Das Leben von Andy Warhol

Andy Warhol, Pseudonym von Andrew Warhola, wurde am 6. August 1928 in Pittsburgh als jüngstes von drei Kindern von Ondrej Warhola und Júlia Justína Zavacká, beide tschechoslowakische Einwanderer, geboren. Er zeigte sofort sein künstlerisches Talent und studierte Werbegrafik am Carnegie Institute of Technology in seiner Heimatstadt. Nach seinem Abschluss zog er nach New York: Die Metropole bot ihm hervorragende Möglichkeiten, sich in der Welt der Werbung zu etablieren, da er als Illustrator für Zeitschriften wie Vogue und Glamour arbeiten konnte. 1952 stellte Warhol zum ersten Mal in der Hugo Gallery in New York aus und brachte fünfzehn Zeichnungen mit, die von den Schriften des Schriftstellers Truman Capote inspiriert waren, mit dem er lange Zeit befreundet bleiben sollte. Im selben Jahr zog seine Mutter Julia Warhola nach New York, wo sie mit ihrem Sohn bis 1971 lebte. Der Künstler hatte eine sehr enge Beziehung zu seiner Mutter, die als eine der einflussreichsten Personen in seinem Leben gilt und eng mit Andy zusammenarbeitete. Zwei Jahre später hatte er seine erste Einzelausstellung in der Loft Gallery, ebenfalls im Big Apple.

Anfang der 1960er Jahre fertigt Warhol seine ersten Zeichnungen an, die der Welt der Comics und der Werbung gewidmet sind. Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, dass die amerikanische Kunstszene in diesen Jahren vom ActionPainting beherrscht wurde, einer Technik, bei der die Farbe mal spontan getropft, mal auf die Leinwand geworfen wurde. Der Künstler nutzte den “Zufall”, und das Werk entstand nicht aus einem Plan, sondern aus einem Prozess der Improvisation. Warhol wandte sich von all dem ab und entschied sich dafür, die ihn umgebende Realität so kalt und distanziert wie möglich abzubilden, industriell und standardisiert. Einen starken Einfluss auf ihn hatte die Ausstellung des amerikanischen Pop-Art-Künstlers Roy Lichtenstein ( New York, 1923 - 1997) in der Galerie Leo Castelli, den er damals noch nicht kannte, der ihn aber sehr faszinierte. 1962 begann er mit der Siebdrucktechnik auf Leinwand und trieb das Prinzip der unbegrenzten Reproduzierbarkeit des Kunstwerks auf die Spitze. Er änderte auch die Themen seiner Werke: Suppen in Dosen, Coca-Cola-Flaschen und Waschmittel. Die 1960er Jahre waren die Jahre, in denen sich Warhol etablierte: 1962 stellte er erstmals seine Campbell’s-Suppendosen in der Ferus Gallery in Los Angeles aus, zwei Jahre später hatte er eine Ausstellung in der Leo Castello Gallery in New York. In dieser Zeit stellte er einige Werke imSalomon R. Guggenheim in New York und in der Washington Gallery of Modern Art aus, und inzwischen wurde er in einem Artikel der Time als “Pop-Artist” bezeichnet. Dies waren in der Tat die Anfänge der Pop Art.

Die Räumlichkeiten von Andys Haus reichten nicht mehr aus, um die boomende kreative Tätigkeit zu fassen, und so richtete er 1964 sein Atelier in der East 47th Street 231 ein, in den großen Räumlichkeiten, die später Factory genannt werden sollten : ein Zentrum der künstlerischen Produktion, nicht weit entfernt vom Geist mittelalterlicher Werkstätten, in denen der Meister mit seinen Schülern lebte und ihnen zeigte, was sie tun sollten und konnten. Von hier aus gingen die brillantesten und offensten Köpfe des “Big Apple” wie die Sänger Jim Morrison, Bob Dylan und David Bowie, der Schriftsteller und Schauspieler Truman Capote oder die Künstler Jean-Michael Basquiat und Keith Haring. Sie alle arbeiteten gemeinsam an Siebdrucken und Lithografien. In der Factory entstanden auch Warhols erste Filme wie Sleep and Eat (1963), in dem ein Dichter sechs Stunden lang schläft, oder Empire (1964), der acht Stunden lang das gleiche Bild des Wolkenkratzers Empire State Building zeigt. Daraus resultieren auch Filmproduktionen mit einigem Publikumserfolg, darunter Trash (1969), über das Leben junger Drogenabhängiger.

1965 findet die erste Pariser Ausstellung Flowers (1964) in derGalerie Ileana Sonnabend statt, in der sich Andy als “Künstler im Ruhestand” bezeichnet, der sich dem Film zuwenden möchte. Einige Jahre später, 1968, wird Warhol von der Feministin Valerie Solanas durch eine Reihe von Schüssen verletzt . Der Vorfall beschädigte alle wichtigen inneren Organe des Künstlers und prägte sein Leben tiefgreifend, wie sein Freund und Assistent Pat Hackett berichtete: “Seit jenem 3. Juni 1968 betrachtet sich Andy als ein Mann, der offiziell ’von den Toten auferstanden’ ist”. In den 1970er Jahren begann Andy, zahlreiche externe Porträtaufträge zu erhalten. Zu seinen Kunden gehörten die Sänger Mick Jagger, John Lennon und Diana Ross sowie die Schauspielerinnen Brigitte Bardot und Liza Minelli. In dieser Zeit veröffentlichte er ein Bild von Richard Nixon (damals Präsidentschaftskandidat gegen George McGrove) mit der Aufschrift “Vote McGroven”, eine ausdrückliche Anspielung auf den laufenden Präsidentschaftswahlkampf. Von diesem Zeitpunkt an war Andy ständig der Kontrolle des International Revenue Service, d. h. der US-Steuerbehörde, ausgesetzt. 1975 erschien The Philosophy of Andy Warhol (from A to B and Back Again), ein Buch voller Zitate des “King of Pop” über Liebe, Sex, Schönheit, Zeit und Tod, und wenig später schuf der Künstler die berühmten Selbstporträts mit Totenköpfen (1978) und die Serien Shadows (1978) undOxidation Paintings (1978). Anfang der 1980er Jahre begann der amerikanische Künstler, an einigen Fernsehsendungen mitzuarbeiten: Fashion, in der einmal wöchentlich mit Freunden aus der Factory, aber auch aufstrebenden Künstlern und neuen Rockstars eine halbe Stunde lang diskutiert wurde; dann gab es noch Andy Warhol’s TV, in dem Andy paradoxerweise abwesend war; ab 1985 studierte er für den Fernsehsender MTV eine Sendung mit dem Titel Andy Warhol’s Fifteens Minutes ein, die im Titel die berühmteste seiner Maximen aufgriff: “In der Zukunft wird jeder für 15 Minuten weltberühmt sein”. Der “King of Pop” starb am 22. Februar 1985 im Alter von 52 Jahren an den Komplikationen einer Gallenblasenoperation. Nach der Beerdigung, bei der die Künstlerin Yoko Ono eine Rede hielt, wurde sein Leichnam neben dem seiner Familie auf einem Friedhof am Rande seiner Heimatstadt Pittsburgh beigesetzt.

Andy Warhol, Marilyn Monroe (1967; Siebdruck, 91,5 x 91,5 cm)

Andy Warhol, Brillo Box (1964; sinetische Polymere und Siebdruck auf Holz, 43,3 x 43,2 x 36,5 cm; New York, MoMA)

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans (1962; Acryl und Emaille auf Leinwand, 32 Tafeln, je 50,8 x 40,6 cm; New York, MoMA)

Die Kunst und die Werke von Andy Warhol

Das Hauptmerkmal von Andy Warhols Werken, das ihn berühmt gemacht hat, war die Serialität, mit der er Gegenstände und Menschen darstellte, die zu Ikonen des American Way of Life wurden. Der Künstler stellte sich der Welt gegenüber als eine Maschine dar, die die Realität um ihn herum kalt und unpersönlich aufzeichnete. Der beste Weg, dies künstlerisch auszudrücken, war die Verwendung der Siebdrucktechnik, die einzige Technik, die ihm den Effekt der Objektivität ermöglichte, da die “Berührung durch den Künstler” nicht notwendig war. Er benutzte mechanische Systeme (die Maschine kann nicht lügen), um die Mechanik und Serialität des gesamten Lebens im 20. Andy Warhol ist das Paradebeispiel dafür, was in den 1960er Jahren geschah, und dazu muss man, wie der Künstler selbst sagte, nur die Oberfläche seiner Werke betrachten. Die Werke des amerikanischen Künstlers wurden zu wahren Ikonen: Marilyn Monroe , Mao Tse-Tung und viele andere. Für Warhol war die Technik der Ausführung wichtiger als der Akt des Schaffens selbst, und die Technik wurde zu einem industriellen Prozess. Die Schauspielerin und Diva Marylin Monroe war eines der bekanntesten Sujets von Warhols Porträts, der sich nach ihrem Tod und im Bewusstsein ihrer Bedeutung in der kollektiven Vorstellung für sie zu interessieren begann. Ausgehend von einem berühmten Foto der Diva reproduzierte der Künstler eine Reihe von mechanisch “getrennten” Bildern, wie der Titel Shot Orange Marylin (1964) besagt.

In Wirklichkeit handelte es sich nicht um ein echtes Porträt, sondern um eine Reproduktion ihres öffentlichen Bildes, das von den Medien verbreitet wurde, um ihren Bewunderern zu gefallen. Was Warhol interessierte, war die Art und Weise, wie sich die Kommunikation veränderte, und der Künstler selbst nahm nie einen ethischen Standpunkt ein: Was er privat dachte, ist nicht bekannt (Warhol war in der Tat einer der zweideutigsten Künstler der Kunstgeschichte). Er malte, wie er in einem Interview sagte, “das, was man jeden Tag sieht”, aber auch das, was als Person oder Sache zum Objekt kollektiver Verehrung wird. Ebenso berühmt ist die Serie Tod und Katastrophen, zu der Autounfälle wie White car Crash 19 Time (1963) gehören: Das Bild auf dem weißen Hintergrund der Leinwand behält die wenigen und deutlichen Industriefarben der minderwertigen fotografischen Reproduktion der Zeitung, der es entnommen ist, und gerade die serielle Wiederholung verändert die Bedeutung, die das ursprüngliche Bild ausdrückt, und macht es zu einem fast “banalen” Motiv. Andererseits war der tragische Gehalt des Bildes durch die massenhafte Verbreitung in allen Zeitungen bereits geschwächt: Das Bild würde bald vergessen und durch “konsumfertige” Bilder ersetzt werden , mit der gleichen frenetischen Geschwindigkeit, mit der eine Dosensuppe oder eine Coca-Cola konsumiert wird. Die erste Serie von Campbell’s Suppe stammt aus dem Jahr 1962: Die Installation besteht aus zweiunddreißig identischen Gemälden in gleicher Größe. Der Stil des Gemäldes ist im Grunde eine identische Abfolge eines Moduls, das zweiunddreißig Mal wiederholt wird. Die Verwendung von Farbe ist wichtig, um die Bedeutung des Werks zu verstehen: Campbell’s Suppendosen sind auf einen weißen Hintergrund gedruckt, der das Objekt hervorhebt und es zu einer absoluten Ikone der Moderne macht. Der Künstler schuf monumentale Bilder, die Teil des Alltags der Menschen wurden, in diesem Fall Supermarktproduktesowie Brillo-Boxen (1964-68), und machte sie zu Ikonen des amerikanischen Lebens. In seinen Werken reduzierte Andy die emotionale Beteiligung auf ein Minimum.

Getreu seiner Funktion als “Recorder” behandelte Warhol auch das Bild von Jacqueline Kennedy, der Frau von John Kennedy, mit der gleichen Kälte. Die Ermordung des US-Präsidenten erhielt durch die Figur der First Lady Jacqueline, deren Bilder vom Moment des Attentats um die Welt gingen, eine weitere symbolische Dimension. Warhol hielt einmal mehr die Stimmung seiner Gesellschaft fest und machte Jackie zu einer neuen Ikone. Der Künstler arbeitete insbesondere an zwei Bildern, eines vor dem Attentat Jackie III (1966) und das andere nach Lavender Jackie (1966), und dokumentierte damit ein Vorher-Nachher-Ereignis, dessen Schmerz nicht nur die Kennedy-Witwe betraf, sondern das ganze Land erreichte. Der Künstler beschränkte sich darauf, die Bilder auszuwählen und hervorzuheben, die er für relevant hielt, da sie unabhängig von ihren ideologischen oder ideellen Implikationen das Leben aller Menschen begleiteten und somit beeinflussten. Der gleiche Ansatz wurde für die mythische Figur Mao Tse-Tung gewählt. In diesem Fall wählte der Künstler das übliche Bild des “Großen Steuermanns”, das auf dem Umschlag des Kleinen Roten Buches (einer Sammlung von Zitaten aus seinen Schriften und Reden) veröffentlicht wurde, und wiederholte es unzählige Male. Die Einzigartigkeit dieses Bildes bestand darin, dass der höchste Repräsentant eines kommunistischen Reiches wie China zu einer weit verbreiteten Ikone in einem Land wurde, das so symbolisch für den Kapitalismus steht wie die Vereinigten Staaten.

Da er selbst zum Mythos geworden war, konstruierte Warhol seine Ikone auf die gleiche Weise, wie er ein Porträt konstruieren würde. Ausgehend von einem Foto des Fotografen Malcolm Kirk (dem Siebdruck Selbstporträt von 1967) posiert der amerikanische Künstler in einer dreiviertellangen Pose, blickt mit vertiefter Miene in die Kamera, die Hand ruht auf dem Kinn, Zeige- und Mittelfinger liegen auf dem Mund. Der rätselhafte Charakter des Bildes wird durch die Verwendung der Siebdrucktechnik noch verstärkt, die es dem Künstler ermöglicht, die Hälfte des Gesichts im Schatten zu lassen und es fast unsichtbar zu machen. Erst gegen Ende der 1970er Jahre kehrte Andy zur Praxis des Selbstporträts zurück, einer Zeit, in der Grafiken erschienen, in denen sich das Gesicht des Künstlers verdoppelt und verdreifacht, wie im Selbstporträt (1977). Die ständige Reflexion über das Selbst und das Bild kommt 1981, als der Künstler The Shadows (1981) produziert, die Summe aller seiner Arbeiten über die Selbstdarstellung. Die Serie von vorbereitenden Polaroids zeigt, wie aufmerksam der Künstler auf die Konstruktion des Werks achtete, und der Titel selbst unterstreicht die Tatsache, dass das Zentrum des Interesses für Warhol der Schatten ist und nicht der Körper, der ihn erzeugt. Die Praxis der emotionalen Distanz und derUnpersönlichkeit war ein grundlegender Bestandteil von Warhols Poetik: Es ist jedoch ebenso wahr, dass die Sujets nie willkürlich gewählt wurden und beim Betrachter unterschiedliche Reaktionen hervorrufen. Kompositionen wie Most wanted man no.1, Jhon M. (1964), Electric Chair (1971) und Knives (1981) stellten die dunkle Seite der Gesellschaft dar, die Konsumgüter und das Geld für deren Kauf produziert. Vor allem aber nahmen sie in den Massenmedien denselben Platz ein wie die Stars aus Film und Politik, überlagerten sich mit ihnen und fügten sich ohne jede Differenzierung ein. Die berühmten “15 Minuten Ruhm” können sogar den meistgesuchten Mörder Amerikas oder den unglücklichen und anonymen Protagonisten eines Autounfalls betreffen.

Manchmal kann es passieren, dass das Albumcover berühmter wird als die darauf enthaltenen Songs: Genau das war der Fall bei dem Albumcover, das Andy Warhol für die Band The Velvet Underground entwarf, deren Produzent er auch wurde. 1966 gründete Lou Reed The Velvet Underground, und die Gruppe wurde in die Factory des Vaters der Pop Art aufgenommen, der ihr erstes Album finanzierte, wodurch sich die Gruppe in der New Yorker Musikszene als eine der innovativsten etablieren konnte. Die gelbe Frucht auf dem Cover des Debütalbums von Velvet Underground wurde zur Ikone. Die vom Künstler entworfene Frucht, die in den ersten Ausgaben “geschält” werden konnte, so dass eine Banane rosa erschien, erschien als eine klare Provokation des Künstlers. Das 1967 erschienene Album wurde schnell zu einem Kultobjekt unter Vinyl- und Kunstsammlern und hat heute einen Wert von rund zweitausend Dollar. Fotografien bildeten die Grundlage für Andy Warhols Malerei . Tatsächlich entstanden die meisten seiner Werke auf der Grundlage von Fotografien, von denen er einige direkt aufnahm, während andere aus Zeitungen entnommen und dann überarbeitet wurden. Andere Fotos hingegen blieben als solche erhalten und wurden zu einer Art Zeugnis seines gesellschaftlichen Lebens, seiner Begegnungen mit Berühmtheiten und des Alltags in seinen unzähligen Facetten. Zu den berühmtesten Polaroids gehören das Porträt des Künstlers Joseph Beuys (1979) oder das Selbstporträt mit John Lennon und Yoko Ono (1971). Dann gab es ein Werk, das alle Mythen in sich vereinte: Mythen (1981), das auf den ersten Blick als ein ziemlich extravagantes Gemälde erscheinen mag. Ganz rechts, im zehnten Bild, ist Andy Warhol zu sehen, der starr nach links blickt. Er ist die einzige reale Person unter den neun Mythen, zu denen nach Angaben des Künstlers die Böse Hexe des Westens aus Der Zauberer von Oz¸ Dracula, die Mami aus dem Film Vom Winde verweht, Greta Garbo, der Weihnachtsmann, Superman und andere gehören. Obwohl diese Mythen nur im Fernsehen, im Kino oder in Comics vorkommen, erkannte der amerikanische Künstler, dass sie im Leben der Menschen eine wichtige Rolle spielen, und es war für ihn nicht ungewöhnlich, neben diesen Mythen zu erscheinen. Selbstporträts (1986) schließlich war die letzte Version von Porträts, die der Künstler vor seinem Tod schuf, und wurde als eine der ikonischsten definiert.

Warhol leistete auch einen wichtigen Beitrag zum Kino, dessen Produktionen in der Factory stattfanden. Empire (1965) zeigt einen der berühmtesten Wolkenkratzer New Yorks, dasEmpire State Building, vor einem wolkenverhangenen Himmel. Der Film dauert acht Stunden, von der Abenddämmerung bis zur Morgendämmerung wird das unbewegliche Bild des Gebäudes ununterbrochen gezeigt und der Zuschauer kann nicht anders, als sich die kleinste Veränderung zu “wünschen”. C helsea Girl (1966) dauert mehr als drei Stunden: zwei Filme werden gleichzeitig auf die Leinwand projiziert. Alle Erfahrungen und Sprachen wechseln sich ab: Farbe und Schwarz-Weiß, Stille und Ton, Stillstand und unbändige Dynamik. Der Film hat keine wirkliche formale Erzählung, sondern zeigt die verschiedenen Bewohner des Chelsea Hotels in New York im Jahr 1966: einen Drogenabhängigen, der eher mit sich selbst als mit anderen streitet, zwei lesbische Mädchen im Bett, ein Mädchen auf LSD, eine Gruppe von Homosexuellen usw. Mit der Wahl des Kinos hat Warhol ein neues Mittel gewählt, um sich von Regeln und Gesetzen zu befreien.

Andy Warhol, Ohne Titel (Mao) (1972; Siebdruck auf Papier, 91,44 x 91,44 cm; Mailand, Sammlung Teresa und Michele Bonuomo)

Andy Warhol, Blumen (1964; Lithografie, Auflage 300, 55,8 x 55,7 cm; New York, MoMA)

Andy Warhol, Hammer und Sichel (1977; Malerei und synthetische Polymere und Siebdruck auf Leinwand, 182,9 x 218,4 cm; Rom, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Wo sind die Werke von Andy Warhol zu sehen?

1993 wurde in seiner Heimatstadt Pittsburgh ein Museum errichtet, das ausschließlich Andy Warhol gewidmet ist. Das Museum beherbergt die größte Sammlung von Kunstwerken und Archivmaterial des amerikanischen Künstlers. Gemälde, Zeichnungen, Werbeillustrationen und Fotografien decken die gesamte Bandbreite von Warhols Karriere ab, von seinen frühen Arbeiten als Student bis hin zu seinen Pop-Art-Gemälden. Auf der anderen Seite des Atlantiks können Sie im MoMa (Museum of Modern Art) einige seiner berühmtesten Werke wie Flowers (1964) und Marilyn Monroe (1967) sehen. Im Solomon R. Guggenheim Museum in New York sind die Selbstporträts Electric Chairs (1964) und Orange Disaster (1963) von 1986 zu sehen. Andere Werke wie Skulls (1976), Liz Taylor (1965) oder Gun (1981) sind in der Tate Modern in London zu sehen.

Andy Warhols Werke befinden sich in verschiedenen Museen auf der ganzen Welt, auch in Italien: Die Serialität, mit der der Künstler seine Werke schuf, hat zu einer weiten Verbreitung von Multiples geführt, die auch oft Gegenstand großer Ausstellungen sind und häufig auf Messen für moderne Kunst zu sehen sind.

Andy Warhol: Leben und Hauptwerke des Vaters der Pop Art

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